El Renacimiento italiano.
Guión.
Introducción.
1. El arte renacentista en Italia.
Principales características y fundamentos estéticos.
1.1. Italia: la cuna del Renacimiento.
1.2. Quattrocento siglo XV y Cinquecento siglo XVI.
1.3. La Seguridad. Factores políticos.
1.4. Élite intelectual.
1.5.
Renacimiento es volver a nacer.
1.6. Nuevos temas.
1.7. Humanismo racional.
1.8. La figura de Petrarca.
1.9. Nace la crítica del arte.
Desarrollo del pensamiento crítico.
1.10. El artista.
Valoración del individuo y del genio.
1.11. Los mecenas.
1.12. El Nuevo lenguaje.
1.13. La razón.
1.13.1. Leonardo de Pisa, llamado Fibonacci y Luca
Paccioli.
1.14.
Marsilio Ficino y el neoplatonismo.
1.15. La ciencia.
1.15.1. Las funciones del arte en el Renacimiento
italiano. Pintar de modo convincente.
2. El Quattrocento.
Quattrocento es el término
italiano con el que se conoce al siglo XV y su producción artística. A
comienzos del siglo XV, la ciudad principal es Florencia, equivalente a
Renacimiento.
2.1. Los artistas protagonistas del quattrocento.
Los artistas principales
protagonistas del Quattrocento son:
Filippo Brunelleschi, arquitecto; Donatello escultor. Masaccio pintor. Leon Battista
Alberti, escritor y arquitecto realiza tratados de pintura, escultura y
arquitectura.
2.2. El artesano medieval y el artista renacentista.
2.3. Cambio de sensibilidad.
2.4. La perspectiva.
2.5. Las Proporciones.
3. Pintura del Quattrocento.
Estudio de una obra representativa.
Estudio de una obra representativa.
3.1.
Interés en la observación y representación de la naturaleza. San Francisco de Asís.
3.2. Fra Angélico, 1387 – 1455.
3.3. Masaccio, 1401-1428.
3.4. Sandro Filippepi. “Botticelli”
(Florencia 1445- id. 1510).
3.5. Andrea del Castagno, c. 1421 – 1475.
3.6. Andrea Mantegna, c. 1431-1506.
3.7. Fra Filippo Lippi, 1406 – 1469.
3.8. Domenico Veneziano, c.1400 – 1461.
3.9. Benozzo Gozzoli, c.1421-1497.
3.10. Domenico Ghirlandaio, 1449 – 1494.
3.11. Piero della Francesca, 1416-1492.
3.12. Paolo Uccello, 1396/7-1475.
3.13. Luca Signorelli, 1441/50-1523.
3.14. Perugino, 1445/50-1513.
3.15. Andrea Verrocchio, c. 1435-1488.
3.16. La pintura renacentista del
Quattrocento. Estudio de una obra representativa.
Sandro Botticelli, el Nacimiento de Venus.
4. Escultura
renacentista del Quattrocento.
Escultura del Quattrocento.
4.1. Lorenzo Ghiberti.
4.2. Jacopo Della Quercia.
4.3. Donatello.
4.4. Luca della Robbia, 1399 – 1482.
4.5.Verrocchio, 1435 – 1488.
5. Arquitectura renacentista del Quattrocento. Estudio de una obra representativa.
5.1.
Tipologías Arquitectónicas. El palacio y la iglesia.
5.3. Filippo Brunelleschi. Filippo
Brunelleschi y la cúpula de Santa María dei Fiore.
5.4. Leon Battista Alberti, 1404 – 1472.
5.5. Estudio de una obra representativa de
arquitectura.
Filippo Brunelleschi, 1377
-1446. Cúpula de la Catedral
de Santa María del Fiore.
6. El Cinquecento, siglo XVI.
6.1.
Características del Cinquecento.
7. Pintura del Cinquecento. Los grandes
pintores del Cinquecento.
7.1. Leonardo da Vinci. Leonardo da Vinci,
1452 – 1519.
7.2. Miguel Ángel. Michelangelo Buonarroti.
7.3. Rafael. Rafaello Sanzio, 1483 –
1520.
8. Arquitectura del
Cinquecento.
Roma
8.1. Donato Bramante, 1444 – 1514.
8.2. La familia Sangallo.
Venecia
8.3. Jacopo Sansovino.
8.4. Sanmicheli.
8.5. Andrea Palladio, 1508 -1580.
8.6. Giovanni Antonio Amadeo.
9. Escultura del
Cinquecento.
Estudio de una obra representativa.
Estudio de una obra representativa.
Escultura
9.1.
Miguel Ángel.
9.2.
Andrea Sansovino.
9.3.
Baccio Bandinelli.
9.4. Estudio de una obra representativa
de escultura.
Miguel Ángel. El David.
10. El renacimiento fuera de Italia.
10.1.
Alberto Durero. Albrecht Dürer.
11.
Renacimiento en la
península ibérica.
11.1. Arte de los Reyes Católicos o gótico isabelino.
11.2. Gótico – plateresco.
12. Arquitectos renacentistas hispánicos.
El clasicismo o purismo.
12.1. Pedro Machuca.
12.2. Diego de Siloé.
12.3. Bartolomé Ordoñez.
12.4. Andrés de Vandelvira
12.5. Juan de Hontañón y Rodrigo Gil de Hontañón.
12.6.
Alonso de Covarrubias.
12.7.
Juan de Herrera el estilo herreriano o escurialense.
13. Renacimiento hispánico. Ciudades
renacentistas.
14. Escultura renacentista hispánica.
14.1. Alonso Berruguete.
14.2. Juan de Juni.
14.3. Gregorio Fernández.
14.4.
Juan Martínez Montañés.
15. Pintura renacentista.
15.1. Sánchez Coello.
15.2. Luis de Morales.
15.3. Doménikos
Theotokópoulos, El Greco.
15.3.
Pedro Berruguete.
Conclusión.
Preguntas de autoevaluación.
Bibliografía.
Bibliografía
comentada.
Introducción
El Renacimiento es el movimiento
artístico y cultural desarrollado en Italia a partir del siglo XV y concluyendo
hacia el primer cuarto del siglo XVI. Posteriormente se desarrolló por toda
Europa. La etapa inicial renacentista coincide con el Quattrocento, y alcanza
la madurez con el Cinquecento. La primera parte tiene su centro en la ciudad de
Florencia y la segunda es Roma. El Quattrocento es propio de talleres
familiares y artistas individuales de Florencia como; Massaccio, Donatello,
Brunelleschi,…
El Cinquecento se centra en la ciudad de Roma y corresponde a las personalidades de Leonardo, Miguel Ángel y Rafael. Los antecedentes en el siglo XIV en Italia son los artistas Giotto, Duccio y Pissano. La fase última renacentista coincide con el manierismo del siglo XVI en concreto a partir de 1530. El Renacimiento es burgués, humanista y antropocéntrico. Se vuelve a la antigüedad romana impulsado por excavaciones arqueológicas y los propios autores lo conciben como un resurgir del Medioevo.
El Cinquecento se centra en la ciudad de Roma y corresponde a las personalidades de Leonardo, Miguel Ángel y Rafael. Los antecedentes en el siglo XIV en Italia son los artistas Giotto, Duccio y Pissano. La fase última renacentista coincide con el manierismo del siglo XVI en concreto a partir de 1530. El Renacimiento es burgués, humanista y antropocéntrico. Se vuelve a la antigüedad romana impulsado por excavaciones arqueológicas y los propios autores lo conciben como un resurgir del Medioevo.
1. El arte renacentista en Italia. Principales
características y fundamentos estéticos.
El Renacimiento es un movimiento
cultural y artístico de la
Italia del siglo XV y XVI. Si buscamos cuales han sido las
claves que hicieron despertar este período artístico tendríamos que indagar en
la época anterior. Los antecedentes podemos encontrarlos en motivos como: la sensualidad de la cultura caballeresca del
Languedoc, el culto al héroe que se extiende por el occidente europeo, el gusto
por el paisaje despertado por magnates y burgueses, el amor a la naturaleza y
al ser humano, y las mentes excepcionales que van a desembocar en la mentalidad
moderna.
San Francisco de Asís, 1182 – 1226, nacido en Asís, inculca un amor franciscano a la naturaleza, e imprime un naturalismo a los temas vegetales, animales y humanos, que influenciaría a las generaciones posteriores de artistas.
San Francisco de Asís, 1182 – 1226, nacido en Asís, inculca un amor franciscano a la naturaleza, e imprime un naturalismo a los temas vegetales, animales y humanos, que influenciaría a las generaciones posteriores de artistas.
1.1. Italia: la cuna del renacimiento
Italia no era una unidad en el
siglo XV, estaba dividida en ciudades-estado. Las ciudades – estado italianas en el siglo
XV, son Nápoles, Venecia, Florencia, Milán los Estados Pontificios. La
rivalidad y competencia entre las ciudades permitieron un avance en la
innovación artística.
1.2. Quattrocento siglo XV y Cinquecento
siglo XVI.
Si contemplamos el espacio
cronológico el Renacimiento en Italia se divide en: el Quattrocento que es el
siglo XV, su centro cultural es Florencia, y sus mecenas son la familia Médici.
El Cinquecento, es el siglo XVI, su centro cultural es Roma. Los papas Julio II, León X, Clemente VII y Pablo III, son los patrocinadores de las artes. El Renacimiento se difundió desde Italia durante todo el siglo XVI al resto del continente europeo.
El Cinquecento, es el siglo XVI, su centro cultural es Roma. Los papas Julio II, León X, Clemente VII y Pablo III, son los patrocinadores de las artes. El Renacimiento se difundió desde Italia durante todo el siglo XVI al resto del continente europeo.
1.3. La Seguridad. Factores
políticos
Durante este período se da una
sensación de seguridad social y personal. A partir del siglo XII el hombre
puede dedicarse más tiempo a reflexionar, a otras labores y a una vida más
contemplativa. Hay un desarrollo demográfico del siglo XIII; avances económicos
y un afianzamiento del poder en las monarquías.
1.4. Élite
intelectual
En Italia surge una élite
intelectual renovadora a comienzo del cuatrocientos Esta minoría selecta muy
bien preparada intelectualmente surge de las ciudades medievales. El ser humano
es capaz de gobernarse a sí mismo y especular sobre lo divino y lo humano. La
imprenta, es otro de los avances tecnológicos que permite la difusión de las
ideas modernas durante el Renacimiento. Johannes Gensfleisch “Gutemberg”, imprime
el primer libro en 1452.
En la escuela florentina surgen hombres excepcionales, como los antecesores de la perspectiva, Giotto, Donatello, Alberti y Brunelleschi.
En la escuela florentina surgen hombres excepcionales, como los antecesores de la perspectiva, Giotto, Donatello, Alberti y Brunelleschi.
1.5.
Renacimiento es volver a nacer.
Renacimiento significa volver a
nacer, es una vuelta hacia la cultura clásica. Roma está muy presente en Italia
y era más asequible que los intelectuales retornaran a la
Roma clásica y a sus ruinas. Se produce un renacimiento de la
cultura, se lee a los filósofos y se estudian sus ruinas y esculturas.
En Roma encontramos ruinas,
todavía está en pie el Arco de Tito, el
Panteón de Roma, el Foro de Roma, el Capitolio,
y fuera de Roma aún hay vestigios del antiguo esplendor del imperio, como la
”Maison Carrée” Nimes, el Pont du Gard, el anfiteatro de Verona,….
El recuerdo de la antigüedad
había pervivido a lo largo de la
Edad Media , y siempre se había convivido con las ruinas.
Este recuerdo de lo antiguo se había
producido ya en el siglo XIII con Pisano, Cavallini y después con Giotto. La
toma de conciencia de una diferencia entre la Edad Media y la nueva
época la encontramos en Giorgio Vasari.
De la antigüedad se toma la
mitología, las creencias, la filosofía, la historia, elementos formales,
órdenes arquitectónicos, su simbología, pero sin copiarlos sino estudiarlos y
transcenderlos.
1.6. Nuevos
temas
Una nuevas clientela adinerada demanda
otro tipo de temática en las obras,
pictóricas, escultóricas y arquitectónicas. No es que haya un olvido de la fe
en Dios, pero se recuperan temas que habían sido olvidados en la Edad Media.
El pintor Sandro Filippepi. “Botticelli” (Florencia 1445- id. 1510) pinta,La Primavera , hacia 1480-81.
La obra recuerda la pose dela Venus Capitolina , o la del escultor griego
Praxíteles, la Afrodita
de Cnidos. C. 350 a . C. Se retoma el tema
del desnudo a tamaño natural y de una diosa pagana como es Venus, tema inédito
desde la antigüedad greco-latina.
El pintor Sandro Filippepi. “Botticelli” (Florencia 1445- id. 1510) pinta,
La obra recuerda la pose de
1.7. Humanismo
racional
El Renacimiento es fruto de la
dispersión de las ideas humanistas. El humanismo es el movimiento cultural que se inicia en el siglo XIV. El ser
humano comienza a tener una conciencia diferente, un espíritu individualista;
del Dios cristiano sobre el que giraba toda la vida medieval o teocentrismo; se
pasa al ser humano como motor, el antropocentrismo. Con la Edad Media el hombre se
inserta en un marco teológico, los humanistas lo insertan en una perspectiva
terrenal. El ser humano es la medida de todas las cosas.
En las universidades como Padua,
Bolonia, Florencia y Roma, se despierta una intensa vida intelectual. Se
estudia a Platón y a Aristóteles, y la Biblia se lee en su lengua original. El humanista
conoce y se interesa por las lenguas clásicas latín y griego; es poeta, escritor, filósofo, con amplios
conocimientos sobre matemáticas, el hombre excepcionalmente dotada que
encarnaba el idea humanista de hombre ideal.
Los humanistas principales son: Giovanni Boccaccio. Francesco Petrarca, Lorenzo Valla, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola, Maquiavelo, Dante.
Este interés deriva en conocer el mundo clásico en todos los aspectos como el artístico. La búsqueda de la verdad mediante la reflexión y la investigación. Las Academias difundían las ideas humanísticas comola Academia
platónica de Florencia. Además la imprenta facilita la publicación de libros y
la difusión de ideas. El precio de los libros bajó y se podían tener libros de
en bibliotecas personales con más facilidad.
Los humanistas principales son: Giovanni Boccaccio. Francesco Petrarca, Lorenzo Valla, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola, Maquiavelo, Dante.
Este interés deriva en conocer el mundo clásico en todos los aspectos como el artístico. La búsqueda de la verdad mediante la reflexión y la investigación. Las Academias difundían las ideas humanísticas como
1.8. La figura
de Petrarca
Francesco Petrarca 1304 – 1374,
es un destacado humanista, escritor y poeta. Un artista de nuevo talante
cultural. Amante de lo griego y de lo romano. Se interesó por la literatura
latina y griega. Descubridor de los studia
humnitates, que incluían: gramática, retórica, poesía, historia, y
filosofía moral.
Defendió los tiempos grecorromanos, el antropocentrismo y el hombre como medida de todas las cosas.
Defendió los tiempos grecorromanos, el antropocentrismo y el hombre como medida de todas las cosas.
Rompe con la idea medieval del
Dios como centro del mundo. Su ideal es construir la cultura del mundo antiguo.
Su repercusión en el Renacimiento italiano es enorme.
1.9. Nace la
crítica del arte y el desarrollo
del pensamiento crítico.
Las obras de arte se analizan
racionalmente, el humanista puede ser también artista
El Apolo del Belvedere, escultura
de los artistas griegos Agesandro, Polydoros y Athenodoros, se descubrió en Roma en 1506. Lo estudió Miguel Ángel, que influyó en su
Moisés, de 1515 de San Pietro en Vincoli, Roma. Leonardo da Vinci, aúna el
pensamiento crítico y el espíritu científico.
1.10. El artista.
Valoración del individuo
y del genio
Desaparece el anonimato del
taller gremial y artistas sobresalientes alcanzan renombre, Lorenzo Ghiberti,
Donatello, Botticelli,… conocemos los nombres propios de los creadores del arte.
Estos dejan de ser anónimos.
El artista rinde culto a su
personalidad y llega a ser un investigador y no un artesano. Aparece el concepto
de genio, como Miguel Ángel Buonarroti.
1.11. Los mecenas.
La prosperidad en el comercio y
la industria hace que haya nuevas clases sociales ascendentes como la burguesía.
La consolidación del capitalismo da un marco económico al Renacimiento. Los
llamados mecenas protegen al artista y le encargan obras de arquitectura,
pintura o escultura. El mecenas además colecciona obras como medio político,
económico y diplomático. Algunos de los mecenas más conocidos fueron: los
Médicis en Florencia; Ludovico Sforza en Milán; los Visconti en Milán; los
Montefeltro en Urbino; los Papas en Roma; el Rey de Francia, Francisco I.
1.12. El Nuevo
lenguaje.
El Renacimiento crea un lenguaje
nuevo no es una imitación del anterior
arte clásico. Hay una conciencia histórica del pasado, pero no se trata de
imitarlo, sino son base de inspiración. Se intenta conocer sus principios para
superarlos. Por ejemplo el Panteón de Roma fue tomado como modelo, y el
arquitecto Palladio, toma elementos prestados pero sin repetirlo en “La Rotonda ”, o villa Capra. 1567-1569 en Vicenza.
1.13. La razón.
Renacimiento es razón,
proporción, es medida. Las matemáticas son el pilar del arte que busca la
belleza de modo racional y se sustenta en la naturaleza. Estas ideas fueron
expuestas por Pitágoras, era uno de los dos conceptos de belleza clásico, la
belleza como armonía y proporción. Las volvemos a ver resurgir en el Renacimiento.
1.13.1.
Leonardo de Pisa, llamado Fibonacci y Luca Paccioli.
La belleza como armonía y proporción de las partes, que derivó de
Pitágoras no se olvidó. Leonardo de Pisa. Fibonacci, 1170 – 1250, escribió Del Liber abaci, en 1202, donde aparece
su célebre progresión o serie de
Fibonacci. Aquí se encuentra la famosa proporción áurea:
1,1,2,3,5,8,13,21,34,55,89,144,233,377,610,... que si expresamos en quebrados
queda:
1/1, 1/2, 2/3, 3/5, 5/8, 8/13,
13/21, 21/34, 34/55, 55/89, 89/144, 144/233, 233/377,... = K = 0,618,...
La constante K es el número
áureo, o número de oro. Ф = 0,618,… ∞ El
número de oro que se había utilizado y se utilizará tanto en las composiciones
de las obras artísticas; y que curiosamente aparece en la naturaleza por
aproximación.
Luca Paccioli, 1445 – 1517,
escribió sobre la proporción áurea en De
la divina proporción, hacia el 1496 -1498, que recordando a Pitágoras,
retoma la célebre proporción, que tanto influencia ha tenido en el arte. El
libro es una apología de la proporción áurea una de las manifestaciones en la
naturaleza y una guía estética en las composiciones. Los dibujos que apareen en
el libro son creación de Leonardo da Vinci. En la divina proporción relaciona
la sección áurea, los principios de la arquitectura y el cuerpo humano, su
influencia en las artes fue considerable.
1.14.
Marsilio Ficino y el neoplatonismo.
Los dos conceptos más importantes
sobre la belleza que se han contemplado a lo largo de los siglos han sido, la
belleza como proporción expresada por Pitágoras, y la belleza como esplendor,
de influencia platónica y expuesta en el Fedro. Siguiendo la filosofía de
Platón, el filósofo más sobresaliente de la época renacentista es Marsilio
Ficino. Retoma la estética medieval espiritualista y platónica. Para Platón la belleza es autónoma distinta a
la del mundo que nosotros contemplamos. Para Platón la belleza no es de este
mundo. El mundo real es una copia imperfecta del mundo de las ideas hecha por
el Demiurgo, ser inteligente, y bueno que le gusta la belleza y trata de
recrearla. La belleza no se vincula a los objetos sensibles, sino que
resplandece en todas partes. La verdad y la belleza para Ficino eran ideas que
no tenían diferencia en su vertiente pagana o cristiana y había que buscarla
allí donde se encontraran. Estudios helenísticos, sobre todo de la filosofía de
Platón, Plotino y el neoplatonismo. Tradujo los diálogos de Platón, y publicó
una Theología platónica, 1482. Su
objetivo era conectar el pensamiento de Platón con el cristianismo.
Fundamentalmente Ficino quiere conciliar las ideas platónicas con el
cristianismo y sus conceptos estéticos están más próximos a la Edad Media.
Alrededor de Ficino y su obra se
crea la llamada Academia de Florencia, que contribuyó a la difusión del
idealismo platónico, con una gran influencia en el movimiento renacentista y
sus concepciones estéticas.
Este resurgimiento del
pensamiento greco-latino se solidificó en obras artísticas que retomaron el
antiguo esplendor pagano, como el afamado Nacimiento
de Venus del pintor Sandro Botticcelli, c. 1480, donde aparece una diosa
pagana desnuda a tamaño natural. Los
filósofos humanistas instruían a los Mecenas, y la obra de Botticelli, le
servía de regalo visual y educación en sus aposentos. El Nacimiento de Venus es un
compendio del espíritu de la época, y perfecta para el gusto de la nueva
aristocracia de los Médicis.
El arte renacentista se separó
del medieval, y se prestó a las influencias de los mercaderes adinerados, los
poderosos, los tiranos, los reyes, o los papas.
1.15. La ciencia.
El clima intelectual es favorable
al desarrollo del conocimiento. Copérnico, Bacon, Galileo, Kepler, son las
mentes destacadas que avanzan en la ciencia y llegan a poner en cuestión un
sistema geocéntrico como el de Ptolomeo del siglo II d.C. por el sistema
heliocéntrico. La naturaleza se estudia desde un punto de vista matemático y se
realiza un método experimental para rechazar o confirmar hipótesis, dos
aspectos que aproximarán a la ciencia moderna. Los nuevos descubrimientos
geográficos desarrollaron ramas de la ciencia como la geografía, la zoología,
la botánica, y la cartografía. El cuerpo humano comienza a diseccionarse y se
exponen nuevas teoría sobre anatomía como la circulación sanguínea de Miguel
Servet.
1.15.1.
Las funciones del arte en el Renacimiento italiano.
Pintar
de modo convincente.
Giotto a principios de siglo XIV,
busco esa armonía ente lo divino y lo humano, de forma que lo sobrenatural se
acercara al ser humano y dentro de un escenario de localización natural. La
abstracción simbólica del románico se humaniza para acercar al devoto.
Las pinturas son ventanas a
través de los cuales vemos escenas reales. Las conquistas en la representación
del espacio se inician en la
Italia del siglo XIV y XV. Los hermanos Lorenzetti están activos
entre 1319 – 1348.
Ambrogio Lorenzetti, en La Anunciación , c.
1344, las paralelas del pavimento
concurren conscientemente a un punto único. Son los antecedentes de la
perspectiva cónica. Masaccio, sitúa las escenas en escenarios naturales, y hace
un estudio de la luz, las sombras, los reflejos, los volúmenes.
El artista renacentista tuvo la osadía de realizar su autorretrato como
lo había hecho Fidias en el escudo de Atenea. Lorenzo Ghiberti esculpió su rostro en una de las puertas del baptisterio de
Florencia, en las “Puertas del Paraíso”.
Empieza un nuevo estatus social del artista que seguirían Leonardo,
Miguel Ángel y Rafael. Es ya en el siglo XVI cuando el “genio artístico” es
considerado sin trabas, ascendiendo al status de intelectuales, y admitidos en
los ambientes del poder de reyes, príncipes, cardenales, mecenas, y duces, que
deseaban artistas excepcionales para dejar a la posteridad su efigie, la de su
familia y de su vida más íntima. Es el
arte al servicio del poder patrocinador, realizad por encargo.
La perspectiva da solución
teórica y empírica a la representación del espacio sobre dos dimensiones. La
perspectiva lineal supone a un espectador en un punto fijo mirando una escena a
través de una pirámide visual. El cono visual establecido entre la escena y el
ojo es seccionado por la pared de vidrio, donde queda representada la
perspectiva. El mundo comienza a representarse racionalmente con nuevas herramientas. Filippo Brunelleschi fue
el artífice de crear una sobre una superficie plana un espacio tridimensional. El
espacio se racionaliza. Hay además
estudios de luz, anatomía, proporción, sin que hubiera una identificación
ideológica con dogmas religiosos. El arte y la ciencia se unieron, la intuición
y la razón no eran incompatibles. Los artistas del siglo XV, ayudaron al
conocimiento de las ciencias, la matemática, la anatomía, la ingeniería, y la
arquitectura. La ascensión de una clase media urbana con poder adquisitivo,
aceleraba las innovaciones.
La posibilidad de crear sucesos
que no sucedieron pero que podían se ofrecidos a los ojos del espectador como
reales por medio de la perspectiva, eran un magnífico recurso para explotar la
excitación emocional y la compenetración del espectador. Se acentuaban los
efectos dramáticos, emocionales y sensoriales de modo muy convincente.
Así se magnificaron caballeros como, Sir John Hawkwood, c. 1433, de Paolo Uccello, en la catedral de Florencia, Se pintó para iglesias o para edificios particulares con simulación de arquitecturas, como las de Piero della Francesca, donde los personajes van vestidos a la moda florentina, y se entremezclan con los divinos en La flagelación de Cristo, de Piero, c. 1456-1457. Igual que en Flandes enla Italia del siglo XV, la
intención era llegar a un arte de escala humana, llegando a una síntesis de lo
terrenal y celestial
Así se magnificaron caballeros como, Sir John Hawkwood, c. 1433, de Paolo Uccello, en la catedral de Florencia, Se pintó para iglesias o para edificios particulares con simulación de arquitecturas, como las de Piero della Francesca, donde los personajes van vestidos a la moda florentina, y se entremezclan con los divinos en La flagelación de Cristo, de Piero, c. 1456-1457. Igual que en Flandes en
2. El Quattrocento.
Quattrocento es el término
italiano con el que se conoce al siglo XV y su producción artística. A comienzos
del siglo XV, la ciudad principal es Florencia, equivalente a Renacimiento.
2.1. Los artistas
protagonistas del Quattrocento.
Los artistas principales protagonistas
del Quattrocento son: Filippo Brunelleschi, arquitecto; Donatello escultor. Masaccio pintor. Leon Battista Alberti,
escritor y arquitecto que realiza tratados de pintura, escultura y arquitectura.
2.2. El artesano
medieval y el artista renacentista.
Hay una diferencia entre el
artesano medieval y el artista renacentista: el artesano medieval ejecutaba el
tema y la imagen que les era dados por una élite. El arte es una actividad
manual. El artista renacentista no está tutelado por una autoridad. Trabaja con
autonomía, la orientación, la ideología y la cultura del tema. El arte es una
actividad intelectual “liberalis”. El artista toma conciencia de su
individualidad y de su valor personal en su oficio. El artista renacentista era
un artesano, comenzaba su oficio en un taller como aprendiz de un maestro. El
maestro creaba el diseño, y los aprendices se encargaban del trabajo rutinario,
también podían encargarse de alguna parte de la obra.
2.3. Cambio de
sensibilidad
El cambio de sensibilidad en el
tratamiento de la figura humana se puede apreciar en pintura y pintores como.
En La
Anunciación de Leonardo da Vinci, o en las Vírgenes de
Rafael Sanzio, el tema es más cercano, la Virgen con el Niño, son más naturales y humanas.
María es la madre tierna que expresa sentimientos hacia su hijo y hay una
comunicación entre ambos.
Este cambio de sensibilidad se
muestra en pinturas donde se utiliza el
claroscuro, o el sfumato de Leonardo, se estudia la anatomía para dar más
verosimilitud a las figuras en una composición.
2.4. La
perspectiva
Una de las innovaciones que más
van a influir en la estética del Renacimiento fue la perspectiva científica. La
representación racional del espacio con la perspectiva lineal, modifica el
espacio y el tiempo en pintura
La teoría de la perspectiva es
analizada por Alberti, en su Tratado de la Pintura , 1436. La
perspectiva cónica es empíricamente formulada por Filippo Brunelleschi. El
pintor Piero della Francesca, la estudia y hace un tratado, De
prospectiva pingendi, 1477-80. El artista Paolo Uccello trabaja con la
perspectiva en su composición de La Batalla de San Romano. Leonardo da Vinci en el
dibujo de la Adoración de los magos, emplea una retícula en
perspectiva cónica para sustentar todos los elementos arquitectónicos y
personajes. La perspectiva cómica será una nueva forma de ordenar la
composición y de representar el mundo.
2.5. Las Proporciones
Los cánones normativos de belleza
antiguos se recuperan. Sobre todo las proporciones vuelven a considerarse. La
belleza entendida como armonía de las partes y proporcionalidad se retoma. Los
antiguos cánones de Policleto, Lisipo, Leócares,… se aplican a la escultura:
Miguel Ángel en el David, utiliza un
canon de unas siete cabezas y media, que era propio del Doríforo de Policleto, además se aprecia que ambas esculturas se
asemejan.
Alberti, en arquitectura también
utiliza proporciones con base a un módulo cuadrado en Santa María Novella, de Florencia.
Otras obras con sistemas proporcionados son: Temple malatestià de Alberti, en Rimini, y el Palacio Ruccellai, de Alberti.
3. Pintura del Quattrocento
3.1.
Interés en la observación y representación de la naturaleza. San Francisco de
Asís
San Francisco de Asís, 1182 –
1226, Asís.
El amor al mundo creado por Dios
de San Francisco de Asís, imprime un naturalismo a los temas vegetales, animales y humanos.
San Francisco vive solo para Dios para la pobreza y expresa su amor al Creador
y a la creación de todos los seres de la
naturaleza. Para estar en paz, hay que estar en paz con todo lo que se ha
creado.
Se ha mencionado a San Francisco como un inspirador del Renacimiento italiano, por el amor hacia la naturaleza, que inspiró a los pintores, a buscar el naturalismo y el valor de la humanidad; actitudes humanas que pudieron llegar a desencadenar el Humanismo. Se inicia en el Renacimiento un estudio del natural, influenciado por el amor franciscano hacia el mundo creado por Dios. Hay una captación de los volúmenes y efectos de claroscuro. Se hacen dibujos de escorzos con el cuerpo humano. Las pinturas tienen un contenido atmosférico. El interés por la naturaleza hace que las pinturas alcancen una alto grado de naturalismo, pero idealizándola.
Se ha mencionado a San Francisco como un inspirador del Renacimiento italiano, por el amor hacia la naturaleza, que inspiró a los pintores, a buscar el naturalismo y el valor de la humanidad; actitudes humanas que pudieron llegar a desencadenar el Humanismo. Se inicia en el Renacimiento un estudio del natural, influenciado por el amor franciscano hacia el mundo creado por Dios. Hay una captación de los volúmenes y efectos de claroscuro. Se hacen dibujos de escorzos con el cuerpo humano. Las pinturas tienen un contenido atmosférico. El interés por la naturaleza hace que las pinturas alcancen una alto grado de naturalismo, pero idealizándola.
3.2.
Fra Angélico, 1387 – 1455
Fra Angélico es
un pintor renacentista italiano que se formó en el estilo gótico-internacional,
asimila las innovaciones de Masaccio, pero sin dejar de lado la pintura
trecentista. Fra Angélico hace las primeras visiones del paisaje real de
Italia. Compone a la manera bizantina: masas simples, antítesis sencillas, con
pan de oro y con un estilo lírico. Recibe la influencia de la visión
franciscana: amable, tierna, amorosa,… En su pintura se expresa el amor
franciscano hacia el mundo creado por Dios. Obras destacadas suyas son: Anunciación, 1430-1425. Decapitación de Cosme y Damian , 1438 –
1440, Descendimiento, 1440, y La Transición ,
3.3.
Masaccio, 1401-1428.
Masaccio es uno de los innovadores
del Renacimiento, es un pintor considerado plenamente renacentista y uno de los
creadores del movimiento. Pertenece a la escuela de Florencia. Rompe con el
arte bizantino y retorna a las fuentes a la naturaleza y la observación de la
realidad. Su estilo es naturalista. Su gran innovación pictórica fue crear la
primera perspectiva lineal centrada de la historia del arte, con la obra, La
Trinidad ,1426-1427, en Santa Maria Novella de Florencia. Construye
un espacio real dentro de una arquitectura en la perspectiva de Brunelleschi. Pinta las aureolas en perspectiva encima de las
cabezas. Utiliza escorzos atrevidos con gran plasticidad de la forma, y refleja en los rostros las emociones humanas. El claroscuro y las sombras
proyectadas las utiliza para crear relieve. Anuncia los principios de la
perspectiva atmosférica y la perspectiva matemática. Sus personajes tienen un aspecto
escultural, con el fuerte modelado de los cuerpos, y un gran naturalismo. Utiliza la luz natural. Se desliga del
decorativismo, el oro y de los detalles anecdóticos. Se aprecia la nueva
conciencia humana que es propia de Donatelo.
Realizó parte de los murales de La
Capilla Brancacci , 1424-1427, en Santa María del Carmine
en Florencia.
3.4. Sandro Filippepi.
“Botticelli” (Florencia 1445- id. 1510)
Botticelli es
uno de los pintores significativos del Quattrocento. Su línea pura, alargada,
elegante, enérgica y nerviosa, que remarca el contorno, es significativa,
parece volver al goticismo, por el predominio de la línea. Colores suaves,
vestidos rítmicos, ritmo danzante, cabellos rubios y ondulantes, personajes en
equilibrio inestable, son característica suyas. Recurre a temas bíblicos traducidos, a temas
profanos y mitológicos de inspiración
neoplatónica. Está conectado con el círculo de los filósofos neoplatónicos. Sus
grandes composiciones profanas, mitológicas, simbólicas y decorativas son
importantes como símbolos del Renacimiento como: La primavera, 1478, El
nacimiento de Venus, 1480-1485, La
calumnia. 1495. Realiza grandes tondi de madonas como la Madona del Magnificat, 1483-1485.
3.5. Andrea del Castagno, c. 1421 - 1475
Andrea del
Castagno recibe influencia de Masaccio. Sus pinturas parecen esculturas y su
colorido es reducido
Se establece en
Florencia y pinta numerosos frescos como los de La Pasión de Cristo en el monasterio de Santa
Apolonia. En la Última Cena, 1447, representa
escenas en un espacio tridimensional en perspectiva muy preciso. En la catedral
de Florencia se encuentra un retrato ecuestre de Niccolò de Tolentino, 1456.
3.6. Andrea Mantegna, c. 1431-1506
Mantegna es un pintor renacentista italiano de la escuela
de Mantua y recibe influencia de Andrea del Castagno y del arte romano clásico que
estudió como un arqueólogo. Utiliza la ciencia de la perspectiva, y desplaza el
horizonte y emplea un ángulo de observación dramático. Los escorzos que utiliza
son son espectaculares. Sus detalles tomados de la antigüedad clásica, le
permitió que fuera un experto en arqueología y lo incorporó a sus obras.
Utiliza por primera vez el ilusionismo simulando decoraciones pintadas, que
luego se desarrollarían en el barroco.
Obras de Andrea Mantenga son los
Frescos de La Camera
degli Sposi del Palacio Ducal de Mantua, 1472-1474. Santiago conducido a su ejecución, 1455. San
Sebastián, 1447. En el Cristo Muerto,
1470-1480, donde pinta a Cristo en un atrevido escorzo.
3.7.
Fra Filippo Lippi, 1406 - 1469
Fraile carmelita del convento de
Santa Margarita y pintor italiano de escuela florentina. Recibe influencias de
Masaccio y Fra Angélico. Su modelado es firme, pero sin dureza, línea suave y
de preciosismo nervioso, de buen colorido y sentido escenográfico. Ropajes con
delicadas transparencias de las telas que sugieren movimiento. Imprime una visión
feliz del mundo candorosa. Obras de Filippo Lippi son: Virgen con el niño y dos ángeles, c. 1465, sus madonnas sirven de
inspiración a Botticelli. Tondo Bartolini, 1452. Madonna
del Ceppo, 1454. Banquete de Herodes
c. 1461 – 1465.
3.8. Domenico Veneziano, c.1400 - 1461
Perteneciente a la escuela de
Florencia es un introductor de la luz y el color con una nueva impronta. Celebra
la belleza del mundo. Sus cuerpos son escultóricos. Estudia la perspectiva, la luz y efectos de
color. Sus obras mantienen un aire trecentista, con paisajes petrificados. Obras
de Veneziano son: La Virgen de Santa Lucía de magnoli, 1445?. Sagrada Conversación, 1445-1448.
3.9.
Benozzo Gozzoli, c.1421-1497.
Pertenece a la escuela de
Florencia. Es discípulo de Ghiberti y Fra Angélico. Mantiene un aire del
Trecento. Los frescos de la
Capilla Medici de Florencia, destaca por la narrativa y el
aire caballeresco y aristocrático. Es célebre el Viaje de los Magos, 1459, en el Palacio Médici de Florencia, con un
dibujo preciosista. Otras obras suyas son. El
triunfo de Santo Tomás de Aquino, 1470-1475. La escuela de Tagaste, 1464 – 1465.
3.10.
Domenico Ghirlandaio, 1449 – 1494.
Domenico es el más destacado de
una familia de artistas de la escuela de Florencia. Su especialidad son los
grandes conjuntos murales religiosos pintados al fresco. Los frescos de Santa Maria Novella, 1485, le han dado la mayor fama.
Estaba especialmente dotado para los retratos. Sus composiciones, claroscuro y
perspectivas son de gran calidad lo que le sitúa entre los grandes del
Renacimiento.
Sus composiciones tiene un aire aristocrático, lujoso y escenográfico. Realiza por primera vez en Florencia la unión del arte sagrado y mundano. Obras de Domenico Ghirlandaio son: Giovanna Tornabuoni, 1488.La
Visitación , 1491. Viejo
con su nieto, del museo del Louvre. Vocación de los primeros apóstoles en el Vaticano.
Sus composiciones tiene un aire aristocrático, lujoso y escenográfico. Realiza por primera vez en Florencia la unión del arte sagrado y mundano. Obras de Domenico Ghirlandaio son: Giovanna Tornabuoni, 1488.
3.11.
Piero della Francesca, 1416-1492.
Piero della Francesca es pintor y
teórico perteneciente a la escuela de Florencia. Reúne las perfecciones
cristianas a las del mundo pagano. Escribió el tratado, De prospectiva pingendi, en 1475. Sintetiza la belleza y la exactitud
científica, es un gran apasionado de la geometría, las matemáticas y la
perspectiva. Su característica es la composición muy geométrica. Sus pinturas
tienen un silencio recogido. Deja estáticas las figuras en disposición
impasible y silenciosa, con un porte grave. Las personas están desprovistas de
emoción. Utiliza una simplicidad monumental en la composición. Crea una primera
pintura al “aire libre” con, El bautismo
de Cristo. Anticipa a Leonardo sobre los colores complementarios. Pinta el
primer nocturno de la historia del arte, donde la fuente luminosa visible
proyecta sombras, reflejos y contrastes, en El
sueño de Constantino. Otras obras son: La
Leyenda de la Cruz , 1454-1458. La flagelación de Cristo, 1447-1449. Resurrección de Cristo, 1463, en Borgo
Sansepolcro.
3.12.
Paolo Uccello, 1396/7-1475
Paolo Uccelo es
un pintor italiano de la escuela de Florencia. Discípulo de Ghiberti e influido
por Masaccio. Dentro de la tradición del gótico-internacional pero más
naturalista. Uccello es un maestro de la perspectiva y el escorzo. La
perspectiva es una solución y un también un problema. La perspectiva en Uccello
provoca figuras rígidas, pétreas, y geométricas. Sus caballos en La Batalla de San Romano, 1454/7, quedan
acartonados. Posteriormente con el sfumato de Leonardo se suavizarían los
contornos. Obras de Paolo Uccello son: San Jorge y el Dragón. 1460. El Retrato ecuestre de John Hawkwood,
1436, en la catedral de Florencia.
3.13.
Luca Signorelli, 1441/50-1523
El gran tema de Signorelli es el
desnudo dinámico. Utiliza ideas plásticas de relieve. Sus características
pictóricas son: profundidad, claroscuro, sintetismo. Indiferencia por las
pequeñas delicadezas. Atmósfera cálida. Escorzos difíciles, poses forzadas. Utiliza
la perspectiva. Dramatismo exacerbado y una poderosa imaginación. Obras de Luca
Signorelli son: Anunciación, 1491 y los frescos de la Capilla Nueva de la Catedral de Orbieto
3.14.
Perugino, 1445/50-1513
Perugino pertenece a la escuela
de Umbría. Se forma con Piero della
Francesca. Su arte es de purificación de las formas, con suavidad,
blancura y equilibrio. Arte sosegado y piadoso de figuras suaves y
sentimentales. Posturas lánguidas y cabezas reclinadas. Se especializa en
murales. Obras de Perugino son: La
entrega de las llaves, en el Vaticano. Frescos
de la Capilla
de San Brizio en la catedral de
Orvieto, 1500?.
3.15. Andrea Verrocchio, c. 1435-1488
Verrocchio es
pintor, escultor y orfebre de la escuela de Florencia. En su taller se formó
Leonardo da Vinci.
Principal
escultor de la ciudad de Florencia. Sus características son la ligereza,
elegancia y gracia en las poses, con un perfecto acabado, como es El David, realizado antes de 1476. Su
obra ecuestre más célebre es Bartolommeo
Colleone de Venecia, 1479, intento
superar el Gattamelata de Donatello
en Padua. En el Bautismo de Cristo, 1470-1480, posiblemente intervino Leonardo
que fue su discípulo.
3.16.
Estudio de una obra representativa.
Sandro
Botticelli, el Nacimiento de Venus.
Una de las obras representativas
del renacimiento es la
pintura de Sandro Botticelli, El Nacimiento de Venus.
Alessandro Filipepi, « Botticelli », apodo, El
tonelete.
La ficha técnica de la pintura
sería la siguiente:
Autor: Sandro Botticelli. 1444 –
1510. Florencia.
Título de la obra: El nacimiento de Venus.
Título de la obra en italiano: La
Nascita di Venere.
Fecha de realización: 1484 -
1486 aproximadamente.
Medidas: 1,72 X 2,
78 m.
Técnica pictórica: temple sobre
tela.
Museo, ubicación actual : Galleria degli Uffizi. Florencia.
Fuentes literarias: Literatura de
Homero. Ovidio La metamorfosis II.
27. Fastos V 217.
Otras fuentes literarias e
inspiraciones: Hesíodo, El humanismo, el antropocentrismo, defensa de la edad
grecorromana.
Destino de la obra: al parecer
servía de discurso moral y religioso para el joven Lorenzo de Médicis, ya que
su educación estuvo en manos de filósofos humanistas destacados de Europa. La
pintura era una reconciliación con la filosofía precristiana y el arte del
cristianismo. Estas ideas estaban limitadas a un pequeño grupo de eruditos,
artistas, escritores y nobles mecenas.
Iconografía. Características de
la pintura:
La obra representa a la diosa
Venus, desnuda a escala natural, por primera vez desde la antigüedad romana.
Presenta ritmo en las líneas, una
atmósfera soñadora y melancólica. Los elementos de la naturaleza: agua, aire,
agua. Botticelli tiene un dibujo elegante y delicado. La Venus está dibujada con un
contornos y modelada con una luz y sombra delicados, propio de la pintura
renacentista.
Técnica pictórica. Pintura
medieval de temple al huevo. El Temple, del latín temperare, (mezclar,
moderar),los pigmentos se mezclan con el aglutinante clásico que era la yema
del huevo, el disolvente es el agua. Su utilización cayó en desuso a partir del
Renacimiento.
Composición de la obra.
Se observa una composición en
triángulo ascendente. La Venus
se sitúa en el centro y Zéfiro y Cloris marcan una de las aristas del triángulo
por la izquierda y Flora remarca con el manto otra de la artista del triángulo
por la derecha.
Personajes representados en la
pintura:
Zéfiro
Mitología griega.
Uno de los cuatro vientos
principales, también llamado Favonio.
Viento de Oeste, que anuncia la
primavera y aplaca las olas del mar favoreciendo la navegación.
Cloris
Mitología griega.
Ninfa bellísima símbolo de la
primavera, amada por Zéfiro.
Hija de Niobe y de Anfión, rey de
Tebas. Originariamente llamada Meubea.
Ártemis y Apolo la mataron más
tarde con sus flechas por haberse vanagloriado de cantar mejor que el dios y de
ser más bella que la diosa.
Abrazo de Cloris a Zéfiro.
Cloris abraza a Zériro con ambas
manos rodándole por la cintura, mientras ingrávidos avanzan hacia Venus,
soplando por la boca.
Las Horas
En la mitología griega y romana
las Horas eran las ninfas o diosas responsables del orden de la naturaleza y de
las estaciones. Hijas de Zeus y de Temis.
Según Homero custodiaban la
morada de su divino padre y las puertas del cielo.
Originariamente los atenienses
veneraban sólo a Tallo (germen de la
primavera) y a Carpo (los frutos del otoño). Se le añadió, Auxo (el regocijo estival). Estas se
correspondían a las tres estaciones (primavera, verano, otoño) en la que los
griegos dividían el año.
Personificación de las estaciones
y subdivisiones del día. Se les representan como jóvenes bellísimas adornadas
de flores y frutos mientras danzaban Para Hesíodo eran tres y seguían a las
Cárites. Sus nombres eran: Eunomía ( el Orden),
Dique (la Justicia )
y Eirene ( la Paz ).
Cuando los romanos las
incorporaron a su panteón las elevó su número a doce, tal vez porque los
griegos dividían el día en doce partes.
Grecia. Originariamente los
atenienses veneraban sólo a Tallo
(germen de la primavera).
Tallo: era una de las Horas patrona de la primavera y aportaba las
hojas y flores de la estación.
En Roma, Flora era la patrona de las floraciones y de la primavera para
los romanos.
Fiestas en honor de la diosa del
28 de abril al 3 de mayo, llamadas Ludi
Florales, o bien Floralia.
Flora presenta ondulaciones de
las líneas y coleta.
Afrodita – Venus
El personaje central de la obra
es Afrodita según la mitología griega y Venus para los romanos.
Diosa griega del Amor, la Belleza y la Fecundidad. Diosa
del amor sensual.
Según Homero nació de Zeus y de
Dione.
Según Hesíodo nació de las aguas
del mar fecundadas por el semen de Urano en las proximidades de la isla de
Chipre.
Se la representa bellísima
emergiendo de las aguas, o con el cuerpo rodeado de mirto sobre un carro tirado
por pájaros.
Disponía de los corazones de los
humanos a capricho, suscitando pasiones, celos violentos, amores locos.
Tuvo muchos amantes tanto entre los mortales como
entre los dioses del Olimpo.
Dio a luz a muchos hijos:
Harmonía. Eros. Anteros. Deimos. Fobos. Hermafrodito. Hermes. Dionisio,…
También se le veneraba con otros
nombres: Pandemia, Urania, Anadiómena, Amaturia, Italia, Ciprígena, Citerea,…
Las plantas a las que se
consagró: el mirto, la manzana, amapola, rosa.
Animales consagrados: paloma,
gorrión, cisne, delfín, liebre, tortuga.
Identidad de la modelo para
representar a Venus: Simonetta Cattaneo
de Vespuci
La mujer retratada como Venus es
Simonetta Cattaneo de Vespuci. “La bella
Simonetta”, nace en 1453, y muere el 26 de
abril de 1476, fue la gran musa de los artistas renacentistas. Fue retratada
por Sandro Botticelli en El Nacimiento de
Venus, pintura que terminó en 1485. Simonetta fue nombrada “Reina de la Belleza ” en Toscana,
después de una justa que organizó Giuliano di Médici en su honor.
Fue esposa de Marco Vespucci de
Florencia, antepasado del célebre explorador y cartógrafo florentino Americo Vespuci . Murió muy joven a los 22 años de tuberculosis. Una
vida fugaz en la tierra y una vida eterna para la historia del arte.
Botticelli se hizo enterrar a sus
pies en la iglesia de Ognissanti.
Otras características formales.
El mar y las flores.
Los 4 Elemento de la naturaleza:
agua, aire, agua, tierra.
Recreación romántica del mar para
dar armonía y gracia al tema
Antecedentes.
La figura de Venus fue modelada
según las esculturas griegas propiedad de los Médicis. Las Venus de la
antigüedad grecolatina que sirvieron de inspiración a la pintura son:
Venus de Félix que es una interpretación de una Venus de
Praxíteles. De Praxíteles, la Venus Capitolina y la Afrodita de Cnidos. C. 350 a . C.
La Venus de
Milo de la Grecia
helenística, actualmente en el Louvre.
Inspiraciones iconográficas
posteriores sobre la base de la pintura de Botticcelli son: Modigliani, Venus, 1917 y Joven pelirroja en camisa, 1918.
La organización de la pintura
responde a pinturas del Bautismo de Cristo, que se presentaba junto a San Juan
Bautista en la orilla de un río.
Iconología. Significado y
símbolo.
Veamos una aproximación al
significado esencial de la obra.
Sandro Botticelli en El Nacimiento de Venus, 1485, imprime
valores religiosos seglares. La diosa pagana a escala natural Venus se
asocia a la filosofía humanista. La recuperación del
desnudo clásico y filosofía pre-cristiana de Platón. La Venus es modelada como una escultura griega. Una
alegoría del amor platónico y la reconciliación de la filosofía griega con el
cristianismo.
4. Escultura
renacentista del Quattrocento.
Escultura del Quattrocento
La escultura sustituye el
hieratismo propio del gótico por la naturalidad idealizada. El hombre medida de todas las cosas. Los
grandes escultores son Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Luca della
Robbia y Andrea Verrocchio.
4.1.
Lorenzo Ghiberti
Ghiberti es un escultor,
arquitecto y teórico de la escuela florentina. Considerado uno de los iniciadores
del Renacimiento italiano. Ghiberti en Florencia introduce la escultura
realista, es uno de los grandes escultores de éste período. Mantiene unas
características que derivan del gótico pero mezcla un concepto naturalista. Sus
aportaciones a la perspectiva también son significativas. Su trabajo más
renombrado fue la Puerta del Baptisterio San Giovanni en Florencia, llamadas Puertas del Paraíso, 1425 – 52. Ghiberti
compite con Brunelleschi en el concurso de las puertas de baptisterio de
Florencia. Gana el concurso Ghiberti, con una escena sobre el sacrificio de
Isaac.
Los paneles de la puerta son concebidos de forma espacial y pictórico. Introduce la perspectiva en el relieve. Perspectiva arquitectónica y paisajista y los relieves aplanados que se difumina en la lejanía el llamado es le llamado relieve schiacciato. En el Baptisterio de San Giovanni de Florencia, también fue el artífice dela Puerta
Norte , 1403 – 1424, realizada en bronze.
Los paneles de la puerta son concebidos de forma espacial y pictórico. Introduce la perspectiva en el relieve. Perspectiva arquitectónica y paisajista y los relieves aplanados que se difumina en la lejanía el llamado es le llamado relieve schiacciato. En el Baptisterio de San Giovanni de Florencia, también fue el artífice de
4.2.
Jacopo Della Quercia
Jacopo Della Quercia es uno de
los introductores del Renacimiento en escultura, introduce la escultura
realista en Siena. Aporta una anatomía cuidada y naturalista siguiendo modelos
clásicos. Predomina la línea y el plano sobre el volumen.
Obras de Jacopo della Quercia es:la Fuente Gaia ,
1342 en Siena, el ciclo simbólico con la Virgen y el Niño. Anunciación
a Zacarias, 1428 – 1429. Portada de San Petronio de Bolonia, 1425-1438. Virgen anunciada, 1421, madera tallada y
pintada en San Gimignano.
Obras de Jacopo della Quercia es:
4.3.
Donatello
Donatello es un escultor renacentista
uno de los creadores de dicho movimiento y perteneciente a la escuela de
Florencia. Es el escultor de la figura
humana con equilibrio clásico y elegancia.
Belleza sustentada en la realidad, obras como el David y San Jorge dan ejemplo de ello. La anatomía va unida al porte y proporciones clásicas. Añade una gran expresividad, con contenido dramático y trágico.
Una de las obras más significativas es el Gattamelata que inicia el retrato ecuestre renacentista. Otras obras de Donatello que introduce una gran expresividad en los rostros y cuerpos son: Habacuc, “ Il Zuccone”, (cabeza de calabaza), 1423 – 1426. Santa María Magdalena, hacia 1455. Anunciación Cavalcanti, hacia 1435. San Juan Bautista, 1457 en bronce.
Belleza sustentada en la realidad, obras como el David y San Jorge dan ejemplo de ello. La anatomía va unida al porte y proporciones clásicas. Añade una gran expresividad, con contenido dramático y trágico.
Una de las obras más significativas es el Gattamelata que inicia el retrato ecuestre renacentista. Otras obras de Donatello que introduce una gran expresividad en los rostros y cuerpos son: Habacuc, “ Il Zuccone”, (cabeza de calabaza), 1423 – 1426. Santa María Magdalena, hacia 1455. Anunciación Cavalcanti, hacia 1435. San Juan Bautista, 1457 en bronce.
4.4.
Luca della Robbia, 1399 - 1482
Luca funda un taller familiar de
escultura. Creador de la escultura en cerámica vidriada de tondos, del que se
considera el inventor. Sus características son la suavidad, la elegancia y
sensualidad. Temas cándidos: vírgenes adolescentes, niños cantores, cenefas de
frutas y cintas onduladas. Su ideal es el concepto helénico de belleza,
utilizando la abstracción idealista. Algunas obras suyas son: cantoría, de la Catedral de Florencia,
galería del coro, 1432 – 1438.
4.5.Verrocchio,
1435 – 1488
Verrocchio es pintor, escultor y
orfebre de la escuela de Florencia. Principal escultor de la ciudad florentina.
Escultor discípulo de Donatello.
Sus características son ligereza, elegancia y gracia en las poses, con un
perfecto acabado, como es el David.
Su obra ecuestre más célebre es Bartolommeo
Colleone de Venecia, 1479. Verrocchio
presagia soluciones barrocas.
5. Arquitectura renacentista
del Quattrocento. Estudio de una obra representativa.
5.1.
Tipologías Arquitectónicas. El palacio y la iglesia.
Construcciones civiles.
La arquitectura gótica se deja
para volver a los antiguos ordenes clásicos y los arcos de medio punto romanos.
La variedad en la tipología de
las edificaciones se amplía. Los arquitectos además de construir iglesias,
hacen, palacios, ayuntamientos, hospitales, plazas públicas, logias, villas,
castillos y universidades.
Luciano Laurana, realiza una
síntesis entre renacimiento y gótico. Laurana destacó por el Palacio Ducal en la corte de Urbino,
iniciado en 1472.
El renacimiento busca soluciones
urbanísticas; la integración del espacio arquitectónico dentro del espacio que
le rodea, como hace Filippo Brunelleschi en el Ospedale
degli Innocenti, Florencia, pórtico, 1419 – 1439.
El
palacio renacentista
Renacimiento es la vuelta a la
proporción greco-latina. La arquitectura se hace a la medida del ser humano. La
estructura emplea el cuadrado y el círculo, con la utilización de la sección
áurea. Algunos palacios renacentistas son El Palacio Medici-Ricardi, en Florencia 1444 de Michelozzo. De aspecto
poderoso y sólido con mampostería rústica.
El Palacio Pitti en Florencia, encargado en 1457 por el mercader Luca Pitti. El Palacio Ruccellai de Alberti, 1446-1455.
De Benedetto de Maiano, destaca su Palacio Strozzi de Florencia, 1489 de lenguaje contenido y elegante se basa en los principios de Brunelleschi.
El Palacio Pitti en Florencia, encargado en 1457 por el mercader Luca Pitti. El Palacio Ruccellai de Alberti, 1446-1455.
De Benedetto de Maiano, destaca su Palacio Strozzi de Florencia, 1489 de lenguaje contenido y elegante se basa en los principios de Brunelleschi.
El Palazzo Vecchio
en la Piazza della Signoria de Firenze.
La iglesia renacentista.
Las iglesias renacentistas con
planta de salón con bóveda de madera y coro sobreelevado, de frontones triangulares
y pilares adosados, recuerdan la arquitectura griega y romana.
Iglesias de Venecia como Santa María del Miracolli, de Pietro
Lombardo 1481-1489.
Sangallo es una familia de
arquitectos renacentistas de la escuela de Florencia. Giuliano da Sangallo se
le considera uno de los prolongadores del estilo de Brunelleschi y Alberti. Obra
suya es la Iglesia de
Santa María delle Carceri, en Prato
En Mantua San Andrea de Leon Battista
Alberti, iniciada en 1471. De Alberti también es la iglesia de Santa María Novella en Florencia y el Templo malatestiano, 1450, en Rimini.
Del arquitecto Donato Bramante es
el templete circular de San Pietro in
Montorio en Roma. 1502 – 1503.
5.3. Filippo Brunelleschi
Filippo Brunelleschi y la Cúpula de Santa María dei Fiore
El primer arquitecto considerado
renacentista es Brunelleschi, la célebre Cúpula
de la Catedral
de Florencia y la fachada del Palacio
Pitti se convirtieron en modelos de referencia para los arquitectos
venideros.
Filippo Brunelleschi, 1337-1446,
es arquitecto y escultor. Su fuente de inspiración son los modelos clásicos de
Roma. En arquitectura destaca por su sentido espacial y la ausencia de
decoraciones, utilizando los órdenes clásicos Su gran obra plenamente
renacentista es la Cúpula de Santa María dei Fiore en Florencia,
1420- 1436. Ideada a finales del siglo XIII por Arnolfo di Cambio. Ampliada y
construida hasta el tambor por Giotto, junto al campanile.
La silueta de Santa María dei Fiore es ligeramente ojival Filippo Brunelleschi utiliza las forma geométricas, el módulo cuadrado, cubo, círculo, esfera. Su innovación trascendental será la ciencia de la perspectiva. Otras obras importantes de Filippo Brunelleschi esla Iglesia de San Lorenzo en Florencia, 1419 – 1460 y la Capilla
Pazzi iniciada en 1430.
La silueta de Santa María dei Fiore es ligeramente ojival Filippo Brunelleschi utiliza las forma geométricas, el módulo cuadrado, cubo, círculo, esfera. Su innovación trascendental será la ciencia de la perspectiva. Otras obras importantes de Filippo Brunelleschi es
5.4.
Leon Battista Alberti, 1404 – 1472.
El
pionero es Brunelleschi y es continuado por Leon Battista Alberti, quien
estudia las proporciones de la antigüedad clásica. Escribió un tratado
de arquitectura titulado, De re aedificatoria, 1443-52. Alberti es uno de los mayores arquitectos y
escritores del Renacimiento, un erudito renacentista. Se le considera uno de
los creadores del Renacimiento en plenitud. Fue destacable su labor como
teórico sin dejar de lado sus realizaciones arquitectónicas. Trabajó al
servicio de Papas desde Eugenio V a Pio II. Alberti
escribe un Tratado de arquitectura, 1443 – 52. Es un artista que trabajan con
la idea de belleza como proporción, la belleza es una armonía entre todas las
partes. Alberti en Santa María Novella,
1446-1472, utiliza un módulo cuadrado y proporciones según matemática y figuras
geométricas. Otras obras de Alberti son: el Templo
Malatestiano en Florencia, 1450. La fachada de Sant´Andrea en Mantua, c. 1470. Palazzo,
Rucellai, 1446 – 1451.
5.5.
Estudio de una obra representativa de
arquitectura.
Filippo
Brunelleschi. Cúpula de la
Catedral de Santa María del Fiore.
La ficha técnica de la obra
arquitectónica sería la siguiente:
Autor: Filippo Brunelleschi,
Florencia 1377 -1446.
Obra: Cúpula de la Catedral de Santa María
del Fiore.
Fecha de realización: 1418 -1446.
La linterna se acabó en 1471.
Medidas: Altura interior 100 m . Altura exterior 105,5 m . Diámetro interior 41 m . Diámetro exterior 45 m . Peso de 37.000
toneladas.
Técnica: arquitectura construida
con ladrillo en la cúpula , piedra en la base, y mármol en los nervios y el
revestimiento del tambor. Además del mortero como unificador. La cúpula se
cubre con tejas planas de barro cocido.
Ubicación actual :
Florencia. Italia.
Estilo: Arquitectura italiana del
Quattocento.
Fuentes. Obras anteriores: Cúpula
del Panteón de Roma del que Brunelleschi puede tener referencias
Fuentes literarias e
inspiraciones: Cúpula de Santa Sofía en Constantinopla.
Inspiraciones posteriores:
Basílica de San pedro del Vaticano en el siglo XVI. La catedral de San Pablo en
Londres en el siglo XVII y el Capitolio de Washington en el siglo XIX.
Características del autor.
Brunelleschi orfebre, arquitecto
e ingeniero, ganó el concurso para la cúpula de la catedral aportando un
innovador sistema de construcción. Fue el creador de la perspectiva cónica
renacentista. Sus inspiraciones se basas en obras romanas, paleocristianas y
góticas pero racionalizándolas. Obra suyas son: San Lorenzo, Santo Spirito, la logia del Hospital de los Inocentes
y el Palacio Pitti, todas en
Florencia.
Iconografía. Características formales.
La construcción de cúpulas era
propia de la Roma Imperial.la Catedral de Florencia. La
construcción de la catedral en estilo gótico fue iniciada por Arnolfo di Cambio
a finales del siglo XIV. La planta octogonal y la altura desafiaba una cúpula
que no aguantaría las fuerzas de los empujes. La solución de Brunelleschi al
problema sería la siguiente:
El tambor octogonal con un
diámetro de 42 m ,
sirvió de apoyo y base a la obra. Una cúpula hueca con dos cascarones paralelos
que disminuyen el peso total. Se proyectó una cámara o espacio vacío entre el
cascarón exterior e interior. Entre ambas cúpulas hay una galería interna que
permite subir a la linterna. La parte exterior es más alta y con unos empujes
más verticales. El espesor de la cúpula se va disminuyendo con la altura. La
parte interior reforzada con una faja de tirantes. Ambas cúpulas se reforzaron
con nervios y costillas horizontales concéntricas. Los ladrillos se ahuecan y
se disponen en la estructura llamada espina de pez que ofrecen más resistencia.
La cúpula tiene una ligera forma apuntada ojival, para disminuir los empujes
horizontales. El cúpula exterior tiene ocho nervios en las aristas del octógono
de mármol blanco y cuatro metros de espesor. La cúpula interna tiene 24 nervios
de ladrillo que soportan el peso de la cúpula descargándola al tambor base.
Desde el interior se observa la cúpula interior plana y sin nervios decorada
con los frescos de Giorgio Vasari. Se abrieron ventanas circulares (óculos) en
cada uno de los lados octogonales. Alrededor de la cúpula se añadieron ábsides
formados por medio octógono en 1421. El revestimiento se realizó con mármol de
color verde, blanco, negro, rosa. La convergencia de los nervios sirve de
arranque de una linterna octogonal y 16 metros de altura, terminada en cono y con un
remate de esférico de cobre con una cruz final.
Iconología. Significado y
símbolo.
Una aproximación al significado
esencial de la obra arquitectónica de Brunelleschi es común a otras obras como
las iglesias renacentistas de Florencia: Santa María Novella. Santa Croce,… son
una muestra del orgullo cívico, la ambición de la ciudad de Florencia y un
símbolo de riqueza y poder. Como obra representativa de la Florencia del
Quattrocento es el símbolo de la ciudad como centro de Arte, realizando un
paralelismo entre Florencia y Roma, además de ser ejemplo del poder de la
iglesia cristiana en la sociedad de la época.
6. El Cinquecento, siglo XVI.
6.1.
Características del Cinquecento.
Las características del
Cinquencento enlazan con el Quattrocento. En ciencia se realizan
investigaciones sin sustentarse en las antiguas escrituras o dogmas. Con
respecto al arte se prosigue una investigación de la naturaleza. Un ejemplo de
ello son los estudios de Leonardo da Vinci, Estudio
de plantas para Leda, 1508 – 1510, La Virgen de las Rocas, 1483-1486.
En la Política se mantiene que
el poder no deriva de Dios y el ser humano es el eje central.
El arte se desarrolla a la sombra
de los papas en Roma. Alejandro, VI, Julio II, León X, Clemente VII y Pablo
III, son los patrocinadores de las artes que serán los mecenas de este período.
El poder de la Iglesia
quedaría reflejado con nuevas construcciones.
Una nueva aportación a la
historia y la literatura es Giorgio Vasari, que realiza una biografía de
artistas antiguos y por primera vez de un artista vivo como Miguel Ángel.
Es de destacar en este siglo la Reforma religiosa alemana
de Martín Lutero y su crítica al Papa
León X.
Al finalizar la Edad Media había un
malestar social con respecto a la iglesia.
El lujo y riqueza de la
Iglesia , estaba alejada de los ideales cristianos de la Biblia. Los cargos se
compraban, la formación del clero era mediocre y no había vocación religiosa.
Se criticó el sistema de indulgencias o compra del perdón de los pecados por
inmoralidad. El Papa león X en 1515, para financiar la construcción de San
Pedro del Vaticano recurrió a las indulgencias. El monje Martín Lutero nacido
en Eisleben (Sajonia), 1483 – 1546, se rebela en Alemania en 1520. La Reforma protestante
comienza en el Renacimiento. En 1517 con motivo de una predicación de
indulgencias, Lutero protestó contra lo que calificó de “venta de indulgencias”
e hizo pública sus 95 tesis, difundidas
por toda Alemania. En 1518 atacó los métodos de la escolástica. Expuso al Papa León X que las indulgencias no habían sido instituidas por Jesucristo, sino por
la Iglesia. Las indulgencias era la
remisión de los pecados mediante pagos a
la Iglesia. Perdón
de pecados cometidos o a cometer, a
cambio de dinero, era la famosa Taxa
Camarae del Papa León X (1513 -1521). Lutero fue acusado de hereje, pero
éste no se retractó. Discutió con la autoridad pontificia y quemó el derecho
canónigo y la bula papal que lo condenaba a la excomunión. En 1521 fue
excomulgado, oculto en el castillo de Wartburg (Eisenach), Lutero tradujo al
alemán el Nuevo Testamento y escribió: De
la libertad de un hombre cristiano.
7. Pintura del Cinquecento
Los
grandes pintores del Cinquecento
Los tres grandes pintores del
siglo XVI fueron Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarrotti (Miguel Ángel) y
Raffaello Sanzio (Rafael)
7.1.
Leonardo da Vinci. Leonardo da Vinci,
1452 – 1519.
Leonardo es pintor, arquitecto,
técnico y tratadista renacentista. Trabaja para Ludovico el Moro en Milán,
Isabel de Este de Mantua, Julián de Medici de Florencia, y Francisco I de
Francia. Leonardo es el paradigma del
sabio renacentista. Intenta demostrar los supuestos sobre los que se basa el
arte por ello interroga a la naturaleza. Este es el aspecto universal de
Leonardo.
Es un artista que no sigue con una clientela religiosa y realiza estudios con una curiosidad que va más allá de su época. Arte y la ciencia van unidos. Tiene curiosidad por diversas ramas del saber. Hace estudios en ciencias como: anatomía, biología, geología, y también se interesa en la literatura, filosofía, tecnología, mecánica,… por ello fue ingeniero al servicio de poderosos como Ludovico Sforza en Milán. Es el creador de la ilustración científica moderna. Su aguda visión le hace ser observador, preciso y riguroso. Estudia y utiliza la perspectiva científica lineal y la perspectiva atmosférica con una efecto azulado, brumoso, (lunar) en sus pinturas. Su célebre sonrisa leonardesca, dulce e indefinible, ha sido su marca. Irrumpe con una nueva estética con el sfumato. Renueva la iconografía dela Virgen con
el niño y la Última Cena. Reflexiona
sobre la composición y utiliza una composición geométrica clásica en forma de
pirámide. Integra las figuras con el paisaje
natural y busca elocuencia en las expresiones.
Leonardo da Vinci escribió notas que se recopilaron en un Tratado de la pintura, con sus reflexiones sobre las proporciones humanas. Leonardo representa la intención del alma del ser humano, su vida interior. La virgen de las rocas, 1495-1508. Santa Anala Virgen , y el niño con el
cordero, 1508 – 1510. Última Cena,
1495- 1497, Milán. San Juan Bautista,
1452.
Es un artista que no sigue con una clientela religiosa y realiza estudios con una curiosidad que va más allá de su época. Arte y la ciencia van unidos. Tiene curiosidad por diversas ramas del saber. Hace estudios en ciencias como: anatomía, biología, geología, y también se interesa en la literatura, filosofía, tecnología, mecánica,… por ello fue ingeniero al servicio de poderosos como Ludovico Sforza en Milán. Es el creador de la ilustración científica moderna. Su aguda visión le hace ser observador, preciso y riguroso. Estudia y utiliza la perspectiva científica lineal y la perspectiva atmosférica con una efecto azulado, brumoso, (lunar) en sus pinturas. Su célebre sonrisa leonardesca, dulce e indefinible, ha sido su marca. Irrumpe con una nueva estética con el sfumato. Renueva la iconografía de
Leonardo da Vinci escribió notas que se recopilaron en un Tratado de la pintura, con sus reflexiones sobre las proporciones humanas. Leonardo representa la intención del alma del ser humano, su vida interior. La virgen de las rocas, 1495-1508. Santa Ana
El arte ha tenido muchas
funciones en la sociedad, alguna de las más significativas es haber servido
para hacer comprensible a los seres humanos su propia humanidad. El Renacimiento
permitió que la libertad intelectual y unas facultades extraordinarias,
sirvieran como herramientas de reflexión, como las utilizó Leonardo.
7.2.
Miguel Ángel. Michelangelo Buonarroti.
Miguel Ángel Buonarroti, fue arquitecto,
escultor y pintor. Su arte se caracteriza por una forma escultural y maciza de
los cuerpos.
Domina el espacio y la belleza del cuerpo masculino con escorzos difíciles. Sus desnudos son “academias” en movimiento. Desnudos colosales y atléticos, se han denominado “esculturas pintadas”. Crea vínculos complejos entre personajes mediante miradas y juego de cuerpos. Su claroscuro “strictu sensu” que permite la corporeidad. Crea una nueva gama cromática, con colores vivos, ácidos, y metálicos. Enla Capilla
Sixtina utiliza arquitecturas fingidas por medio de
dibujos ilusionistas. Sus obra cumbre en pintura es La
Capilla Sixtina en el Vaticano.
Domina el espacio y la belleza del cuerpo masculino con escorzos difíciles. Sus desnudos son “academias” en movimiento. Desnudos colosales y atléticos, se han denominado “esculturas pintadas”. Crea vínculos complejos entre personajes mediante miradas y juego de cuerpos. Su claroscuro “strictu sensu” que permite la corporeidad. Crea una nueva gama cromática, con colores vivos, ácidos, y metálicos. En
7.3.
Rafael. Rafaello Sanzio, 1483 – 1520.
Rafael es pintor, dibujante,
arquitecto, escultor, arqueólogo. Su pintura es de un clasicismo puro, de
medida, equilibrio, y armonía clásicas. Utiliza la geometría rigurosa de la
composición, las arquitecturas grecolatinas, la simetría y el equilibrio. Sus desnudos académicos tienen gracia
sensual en las actitudes; y en las madonas, crea un nuevo tipo de belleza
femenina en los rostros. Posee una gran
capacidad para reproducir la belleza femenina, con una gracia y dulzura muy
particulares. Los rostros son muy
suaves, como el de La bella jardinera,
1507, o La Virgen
de la silla, 1514. En los retablos divide una parte celeste y una parte
terrestre, como en La Transfiguración ,
1519-1520. Rafael crea paisajes azulados vaporosos con un sfumato
discreto y utiliza el contrapposto de Miguel Ángel.
Obras suyas son, villa Madama, las estancias del Vaticano, donde sobresalela Escuela de Atenas, o el Templo de la Filosofía ,
1510-1511, en la Estancia
de la Signatura
del Vaticano. En esta obra la armonización del pensamiento humanista con el
cristianismo quedó magistralmente ejemplificado.
Obras suyas son, villa Madama, las estancias del Vaticano, donde sobresale
8. Arquitectura del Cinquecento
La arquitectura
renacentistas recupera los elementos
clásicos de la antigüedad: la recuperación
de la columna y los capiteles: dórico, jónico, corintio, toscano y compuesto. Es
el resurgir de los entablamentos, arquitrabes, frisos, cornisas y frontones.
Utilización de las bóvedas de cañón de herencia romana. Creación de bóvedas de
arista, y construcción de cúpulas con antecedentes en la bóveda del panteón
romano.
La arquitectura
renacentista recuperan valores como: la
simetría, la sencillez en la estructura, el espacio a la medida del ser humano.
La decoración arquitectónica utiliza la fuente de inspiración griega y romana
recuperando: pilastras, frontones, pórticos, almohadillados, volutas,
guirnaldas con flores o fruto, grutescos, candelabros, tondos,…
Los núcleos principales de la
arquitectura del Renacimiento en el siglo XVI tiene dos núcleos principales
Roma y Venecia. La arquitectura romana tiene sentido de
la masa, de grandeza sobrehumana; por ejemplo la Basílica de San Pedro, s. XVI La arquitectura veneciana tiene esbeltez,
gracia y linealidad.
La actividad artística de la rica
ciudad mercatil de Venecia se intensifica. Los pintores venecianos se
caracterizaron por el colorido y la mancha pictórica.
Mario Coducci o también Codussi,
es un arquitecto destacado de la escuela Veneciana. Tiene influencias del
gótico y de Alberti. Emplea plantas rectangulares, cúpulas y fachadas con
estructura de retablo. Obras suyas son la Scuola de San Zaccaria, 1438 y la Iglesia de Santa María Formosa las dos en
Venecia.
Antonio de Sangallo, arquitecto
dentro del Renacimiento italiano el Joven, su obra principal el Palacio Farnese. Palacio de arco almohadillado, ventanales de
frontón alterno, triangular y remato, piso de vanos arqueados, frontón sin
base, coronado con la cornisa clásica.
Jacopo Barozzi Vignola, es un
arquitecto y teórico de la escuela de Roma, considerado el creador de la
iglesia jesuítica de cruz latina, aula rectangular con ábside, cúpula y
capillas laterales. También es uno de los creadores de la villa manierista. La
obra más destacada es la iglesia del Gesú
en Roma, 1571 que apunta el Barroco.
Roma
8.1.
Donato Bramante, 1444 – 1514.
Bramante fue arquitecto y pintor
del Renacimiento, creador de la última etapa clasicista. Dentro de la
arquitectura tienen unas características clásicas muy marcadas.
La fama de Bramante le vino por
el proyecto de la Basílica de San Pedro en Roma, en 1506,
posteriormente muy modificado. Otra obra excepcional de Bramante es el templete
de San Pietro in Montorio en Roma, 1502.
San Pedro del Vaticano en Roma, que es el monumento arquitectónico más
importante del Cinquecento. Bramante fue el arquitecto destinado a completar la
basílica. Tras su muerte el proyecto lo retomó Miguel Ángel y Maderno. La cúpula
de San Pedro se inspiró en el templete de Bramante de San Pietro in Montorio.
Las influencias de la cúpula de
Bramante fueron las cúpulas de William Thornton, Benjamín Henry Latrobe,
Charles Bulfinch, Capitolio Washington,
D. C. 1792 – 1827, y la cúpula de La Catedral de San Pablo en Londres, de Sir
Christopher Wren, 1675 -1710.
8.2.
La familia Sangallo.
Sangallo es una familia de
arquitectos renacentistas de la escuela de Florencia. Giuliano se le considera
uno de los prolongadores del estilo de Brunelleschi y Alberti. Obra suya es la
Iglesia de Santa
María delle Carceri, en Prato. Antonio de San Gallo el Viejo, trabajó
fundamentalmente en arquitectura civil y militar. Antonio da Sangallo, el
Joven, sobrino de los anteriores, tienen como principal el Palacio Farnese. Palacio de
arco almohadillado, ventanales de frontón alterno, triangular y remato, piso de
vanos arqueados, frontón sin base, coronado con la cornisa clásica.
Venecia
8.3.
Jacopo Sansovino
Sansovino trabajó en Venecia desde
1527, es nombrado arquitecto de los edificios de la república veneciana en
1529. Máximo arquitecto veneciano de la época crea la Biblioteca. Juega con los volúmenes y
columnas para producir claroscuro, y
utiliza los sillares con intención psicológica. Utiliza los órdenes para
disipar la escala. Su obra célebre es la Biblioteca Marciana , en Venecia iniciada en 1537.
La Loggetta de Venecia tiene Esculturas de Jacopo
Sansovino.
8.4.
Sanmicheli
Michele
Sammicheli fue un arquitecto e ingeniero de Italia que fue discípulo de
Bramante y de Giuliano da Sangallo. Fue
nombrado arquitecto militar en Venecia y destacó en este ámbito. Obras
significativas fueron el Palacio de
Bevilacqua de Verona; y en Venecia: el Palacio
Cornaro en San Polo y el Palacio
Grimani di San Luca. También fue maestro de obras en la catedral de Orvieto.
8.5.
Andrea Palladio, 1508 -1580.
Palladio es un Arquitecto que
comenzará el manierismo y uno de los principales creadores de este movimiento. Su influencia fue grande en
los siglos XVIII y XIX en Inglaterra y Norteamérica con el paladianismo. En
Venecia hace arquitectura religiosa. Su especialidad son las villas. En el
véneto proyecta las residencias. Su motivo principal es la columnata, el arco
de triunfo, el pórtico y las escalinatas, con una estructura a base de
horizontales y verticales, es el retorno a las líneas puras de la
arquitectura griega. Arquitectura
serena, sencilla y armónica.
Obras suyas son, las iglesias de Il Redentore, 1576, y San Giorgio Maggiore, 1565, de Venécia. Sus fachadas recuerdan un templo griego. De sus lujosas villas se destacaría,la Villa Chiericati y “La Rotonda ”,
o Villa Capra, 1567-1569 en Vicenza.
Obras suyas son, las iglesias de Il Redentore, 1576, y San Giorgio Maggiore, 1565, de Venécia. Sus fachadas recuerdan un templo griego. De sus lujosas villas se destacaría,
8.6.
Giovanni Antonio Amadeo
Amadeo es arquitecto y escultor que
trabajó en el norte de Italia. Discípulo de Brunelleschi, pero con influencias
bizantinas y góticas. Una característica de Amadeo es por la decoración y el
lujo. La obra más significativa es la
fachada de La Cartuja de la Pavía , de 1491 a 1498.
9. Escultura del Cinquecento. Estudio de una obra
representativa.
Escultura
9.1.
Miguel Ángel.
Miguel Ángel en escultura se
inspira en la antigüedad clásica y el David,
se asemeja al Doríforo de Policleto,
incluyendo el canon de siete cabezas y media, Miguel Ángel, introduce
deformaciones e inventa la forma serpentinata,
que es la unión del contrapposto (desequilibrio de la posición del
cuerpos u oposición de actitudes) añadiendo un movimiento de torsión en
espiral.
Las deformaciones y la
musculosidad en Miguel Ángel quieren expresar que a pesar de la fuerza el ser
humano no escapa de su destino. Las expresiones y gestos de terribilitá comienzan a anunciar el
manierismo. La tumba para el Papa Julio
II de1516, quedó inacabada y parte de
las esculturas ahora se ven separadas del monumento, como el Moisés.
9.2.
Andrea Sansovino
Andrea Sansovino es un escultor
especializado en monumentos sepulcrales, busca una estructura nueva, utiliza
elementos propios de Bramante pero con más complejidad en la decoración
escultórica. Una obra de Sansovino es el monumento
funerario del Cardenal Girolamo Basso della Rovere de 1507, en Roma.
9.3.
Baccio Bandinelli.
Bandinelli se inscribe dentro del
manierismo, pertenece a la escuela de Florencia y con influencias de Miguel
Ángel. En la plaza de la
Signoria de Florencia tiene la obra Hércules y Baco, de 1531.
9.4. Estudio de una obra representativa de escultura
Miguel
Ángel. El David.
La ficha técnica de la escultura
sería la siguiente:
Autor: Miguel Ángel. Michelangelo Buonarroti. (Caprese 1475-Roma
1564)
Título de la obra: David. Título
de la obra en italiano: David.
Fecha de realización: 1501 –
1504.
Medidas: 4,10 metros .
Técnica: Mármol de Carrara.
Museo, ubicación actual :
Galeria de la Academia de Florencia. Su ubicación original fué delante del
Palacio de la Signoria hasta 1875.
Fuentes literarias: Antiguo
Testamento. David i Goliat. La Bíblia.
(1 Samuel 17). Goliat desafía al ejército de Israel.
Otras fuentes literarias e
inspiraciones: El humanismo, el antropocentrismo, defensa de la edad
grecorromana.
Las esculturas de atletas y
dioses griegos de: Policleto, el Doríforo; Lisipo, el Apoxiomenos; Leócares, el
Apolo de Belvedere.
Características del autor.
Las primeras realizaciones de
Miguel Ángel se relacionan con las obras típicas del siglo XV, serenas,
majestuosas, anatomía robusta pero no explosiva, y un pulido superficial
absoluto. Realizada en mármol el material preferido de Miguel Ángel. Giorgio
Vasari en sus biografías de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos
lo ensalza todavía en vida Miguel Ángel. Desde que realiza el David hasta su
muerte es idolatrado por literatos, papas y príncipes de Italia, considerado
“divino”. Alcanza un gran prestigio, por su ideal de vida, y espiritualidad.
Iconografía. Características
formales.
El David, está de pié y en
sustentación sobre el muslo de la pierna derecha. La pierna izquierda está
distendida y se aleja. El tronco se curva ligeramente por el contraposto de
caderas y hombros. La mano derecha extendida lleva las piedras para la honda.
Los músculos están en tensión. La parte derecha está más contraída que la
izquierda. La mano izquierda se flexiona sobre el hombro y en ella lleva la
honda. Su cabeza gira sobre el hombro izquierdo con mirada penetrante.
Técnica:
Escultura en mármol. El bloque de
mármol fue abandonado por Agostino di Durcio cuarenta años antes, donde
posteriormente se esculpió la célebre escultura. Miguel Ángel hace un acabado perfecto del modelado.
Composición de la obra.
Figura human de pie, pero rompiendo
la simetría, con la posición de brazos, piernas y cabeza.
Otras características formales.
El David rompe con la iconografía
tradicional donde se representaba a
David como un joven pequeño y adolescente; por ejemplo, Donatello.
Miguel Ángel recoge en el David los antecedentes de las estatuas de atletas
griegos con bella anatomía como Policleto y Lisipo. El David de Miguel Ángel,
es un gigante, fuerte y más adulto; rompe con los convencionalismos y busca su
propia expresión del David. Escogió el momento de la acción tensa cuando David
aún no ha abatido al gigante Goliat y lo mira desafiante antes de alcanzarlo
con lo honda. Se ha denominado al carácter terrible, airado y amenazador de las
figuras miguelangelescas posteriores la terribilitá.
La escultura intenta transmitir una gran vida interior, en un instante de
fuerte concentración, y con las venas dilatadas como si la sangre corriera
dentro de ellas. Es una dualidad entre la materia del mármol y el espíritu del
ser humano que también es el David.
Antecedentes.
La figura de antigüedad
grecolatina que sirvieron de inspiración a la pintura son: Policleto. Lisipo.
Leócares.
Antecedentes contemporáneos son:
de Donatello, San Jorge y de Verrocchio, David de1475.
Andrea del Verrocchio, David,
hacia 1472-1476, bronce de 125
cm , en el Museo Bargello de Florencia.
Donatello, David, hacia 1440,
bronce de 158 cm
en Bargello, Florencia.
Inspiraciones iconográficas
posteriores: Bernini. David, 1620.
En pintura el tema fue tratado por: Guido Reni. David i Goliat. Jusepe de Ribera
“Spagnoleto”, 1630, David con la cabeza de Goliat. Caravaggio, en dos
versiones, David con la cabeza de Goliat, hacia 1601-1602, y David con la
cabeza de Goliat. 1609 – 1610. Goliat
parece ser un autorretrato del propio pintor Caravaggio
Iconología. Significado y
símbolo.
Veamos una aproximación al
significado esencial de la obra.
El mensaje bíblico del capítulo
David y Goliat, era un símbolo de poder. El héroe de gesto glorioso, padre de
la patria que da muerte al poderoso (Goliat) a manos del “débil” (David). Es la
eterna lucha del bien contra el mal
Donde el bien siempre triunfa
sobre el mal. El menaje cristiano es que Dios socorre a los humildes,
oprimidos, débiles, abandonados, desesperanzados, sufrientes, perseguidos.
David es la humildad, la justicia, el bien, la continencia, la iglesia, la
esperanza. Goliat, es el opresor, el mal, el orgullo, el soberbio, la
violencia.
Es una trama edificante, moral,
ejemplar.
El David de Miguel Ángel expresa
los ideales del Renacimiento como la medida, la proporción y el equilibrio;
unidos a los símbolos de poder, la
fuerza y libertad de Florencia en contra de sus enemigos; las grandes virtudes
cívicas del Renacimiento.
10. El renacimiento fuera de
Italia.
Las ideas renacentistas se
extienden a Europa desde su centro que es Italia. Los reyes como Francisco I de
Francia, Carlos V y Felipe II en España, exportan el nuevo estilo y se realizan
construcciones con la nueva moda. Los humanistas fuera de Italia más destacados
son: Erasmo de Rotterdam, Thomas More, Joan Lluís Vives, Antonio de Nebrija. Francia
y España por proximidad y relaciones políticas son los países donde primero se
extiende el Renacimiento. El renacimiento en Francia se refleja en los
castillos del Loira como Chambord, Blois, Chenanceau,… y en Portugal aparece el
estilo manuelino.
Artistas renacentistas fuera de
Italia en los siglos XV y XVI son: en Alemania: Matthias Grünewald, Alberto
Durero y Hans Holbein el joven.
Artistas flamencos del siglo XV y
XVI fueron: dentro del gótico, Roger van der Weyden y Hans Memling. Pieter
Brueghel el viejo, Pieter Brueghel el joven y El Bosco más adentrados en el
siglo XV.
10.1.
Alberto Durero. Albrecht Dürer
Durero es el pintor, grabador y
teórico renacentista más sobresaliente. Viajó a Italia donde estudió el Renacimiento
y fue influido por Mantegna y Giorgione. Trabajó para el emperador Maximiliano.
En su Autorretrato con abrigo de
1500, en la pinacoteca de Munich, utiliza una
composición áurea y una composición clásica triangular. En la obra Adán y Eva de 1507 utiliza un canon ideal humano de 9 cabezas
11. Renacimiento en la península ibérica.
España
Las soluciones artísticas del
arte renacentista italiano llegan a España mezclándose con la creatividad
hispana. Y desapareciendo la unidad estilística alcanzada en el gótico. Hubo
creaciones directamente importadas de Italia, también artistas italianos que
trabajaron en España, y obras de artistas españoles que formados en Italia
trajeron sus conocimientos. La influencia se hace sentir en los Reinados de los
Reyes Católicos y en el de Carlos V. Una obra renacentista italiana en
Andalucía es el Castillo de Calahorra.
Un artista italiano introductor del estilo en España fue Sandro Fancelli, que
realizó el sepulcro de los Reyes
Católicos en Granada, 1517. Artistas que estudiaron en Italia y que
realizaron obras en España fueron: Diego de Siloé, Bartolomé Ordóñez y Alonso
Berruguete.
11.1. Arte de
los Reyes Católicos o gótico isabelino.
Durante el reinado de los Reyes
Católico se produce una transición entre el gótico y el inicio del
Renacimiento. Se ha especulado si el arte de este período corresponde gótico,
al renacimiento o es una fase del plateresco. Se ha llegado a denominar el
gótico isabelino o estilo Reyes Católicos. Las arquitecturas fueron encargos de
los Reyes Católicos, y recibe influencias de la cultura islámica y el mudéjar.
En paralelo en Portugal se desarrolla el estilo Manuelino. Se introducen
motivos como el yugo y las flechas, la granada y las bolas. Ejemplos de este
arte son la Iglesia
del Convento de San Pablo en Valladolid,
y el claustro de San Juan de los Reyes
en Toledo.
El Hospital de los Reyes Católicos, de
Enrique Egas en Santiago de Compostela, es renacentista. Derivado de los
tipos de hospitales proyectados por Filarete en Milán. Maestros arquitectos son
Simón de Colonia. Colaboración de Gil de Siloé.
Obras de este período son el Colegio
de san Gregorio en Valladolid, finales del s. XV y la Iglesia de San Pablo también en Valladolid.
11.2. Gótico –
plateresco.
El plateresco es el nombre como
se conoce al estilo español desarrollado en el primer tercio del siglo XVI, y
caracterizado por la introducción de modelos renacentistas. Viene a ser el paso
siguiente del llamado estilo Isabelino, es decir el tipo de gótico desarrollado
en tiempo de los Reyes Católicos, donde se apuntaba ya con esta tendencia. El
plateresco mantiene estructuras góticas y adopta del renacimiento la
decoración. El nombre deriva por la profusa ornamentación, abundante, fina y
minuciosa propia de los orfebres, desdibujando las formas arquitectónicas.
Se produce en las tierras castellanas
y leonesas sin encontrarse en otras zonas de la península. Los autores más
destacados son Lorenzo Vázquez, Covarrubias, Rodrigo Gil de Hontañón.
En Salamanca abunda la decoración
de las fachadas con elementos renacentistas y es el centro de este estilo.
El edificio más
característica plateresco es la fachada
de la Universidad
de Salamanca, c. 1525, y la Casa de las Conchas también en Salamanca.
Otras obras de estilo plateresco son: San
Marcos en León y Santa María de las
Dueñas en Salamanca, 1530.
12.
Arquitectos renacentistas hispánicos.
El
clasicismo o purismo.
Fase más clasicista del Renacimiento español, corresponde a la
segunda mitad del siglo XVI Posee un gran sentido de la unidad y la armonía.
Muestra importante es el Palacio de
Carlos V en la Alhambra
de Granada. Las obras fueron encomendadas a Pedro Machuca que se comenzaron en 1527. Pedro Machuca
había estado en Italia y tuvo
influencias con el circulo de Bramante. El Palacio de Carlos V es el más
clásico dentro de los edificios renacentistas de España.
12.1. Pedro Machuca
Machuca es el arquitecto
renacentista que encarna el clasicismo en Castilla. Su formación es italiana y
fue discípulo de Miguel Ángel e influido por Bramante. Sus edificios tienen un
gusto clásico y una ausencia de
decoración. El Palacio de Carlos V en la
Alhambra Granada , 1527, combina las figuras perfectas
del cuadrado y el círculo en su estructura.
12.2. Diego de Siloé
Forma parte de una estirpe de
escultores como Gil de Siloé y su hijo Diego de Siloé. Su formación es
italiana. Introductor de las nuevas tendencias renacentistas. Diego de Siloé
como arquitecto sigue a Brunelleschi y como escultor recibe influencia de
Miguel Ángel. Tiene tendencias a realizar efectos en perspectiva. Obras suyas
son la Catedral de
Granada, 1528, el retablo mayor de la
capilla del Condestable en la catedral de Burgos, 1523.
12.3. Bartolomé Ordoñez.
Su formación es seguramente italiana.
Su muerte prematura le impidió tener una actividad artística más plena. Realiza
el sepulcro de Felipe el hermoso y Juana
en la Catedral
de Granada, 1519. El sepulcro del
Cardenal Cisneros en Alcalá de Henares, 1519-1520 es también obra suya.
12.4.
Andrés de Vandelvira.
Formado dentro de la arquitectura
de Diego de Siloé. Difunde el lenguaje arquitectónico en Jaén, la Mancha y Albacete. Tiene
preferencia por la austeridad decorativa, el empleo de cariátides y telamones, el uso de
bóvedas vaídas y las plantas rectangulares. Remodela la Catedral de Jaén que es de gran severidad y
construye la Iglesia del Salvador en Úbeda.
12.5.
Juan de Hontañón y Rodrigo Gil de Hontañón.
Es una familia de arquitectos
españoles en Castilla. Juan de Hontañón
está dentro del estilo gótico. Rodrigo su hijo es uno de los autores del
estilo plateresco. Utiliza las galerías corridas. Las estructuras son de origen
medieval. Obras suyas son la fachada de la Universidad de Alcalá
de Henares, c. 1543. Palacio de
Monterrey en colaboración con Fra Martín de Santiago en Salamanca, c. 1540.
12.6.
Alonso de Covarrubias.
Covarrubias es un arquitecto
destacado del plateresco. Influenciado por Serlio evolucionó al clasicismo.
Obras suyas son: el patio del Hospital de
Santa Cruz en Toledo, 1524. La Puerta Nueva de la Bisagra en Toledo, 1545-1562 y Sacristía de la catedral de Sigüenza,
1535.
12.7.
Juan de Herrera, el estilo herreriano o escurialense.
Juan de Herrera, 1530-1597, fue
el arquitecto renacentista considerado el máximo exponente de la última fase
del Renacimiento hispánico. De él deriva
el estilo herreriano. Recibe influencias de Serlio, Vignola, Bramante y Miguel
Ángel. Trabajó durante el reinado de Felipe II, quién le encarga el Monasterio de El Escorial, construido
entre 1567 y 1584. También trabajó en la catedral
de Valladolid y en los planos de la Lonja de Sevilla. El herreriano corresponde al
último tercio del siglo XVI, es un estilo austero y que da impresión de gran
solemnidad. El edificio más característico es el Monasterio de El Escorial.
13. Renacimiento hispánico. Ciudades renacentistas.
La ciudad principal del
Renacimiento hispánico es Salamanca, con sus edificios platerescos como la plaza
de la Universidad. Las
clásicas ciudades renacentistas de Andalucía son Úbeda, Baeza, y Jaén donde Andrés
de Vandelvira difunde el nuevo estilo, como la plaza Vázquez Molina de Úbeda.
León es la otra ciudad castellana
hasta donde llega el Renacimiento con Convento
de San Marcos, iniciado en 1515-
Dentro del clasicismo
renacentista el edificio paradigmático es El
Escorial en Madrid, encargado por el rey Felipe II.
Pedro Machuca, realiza en Granada
el Patio porticado del Palacio de Carlos V, 1526 – 1568, donde conjuga la
circunferencia con el cuadrado en el plano del palacio.
14. Escultura renacentista hispánica.
La influencia italiana también se
aprecia en la escultura, la característica esencial son la talla de madera
policromada y los temas religiosos.
Artistas destacados son: Alonso Berruguete, Juan de Juni y Gregorio Fernández.
14.1. Alonso Berruguete
Alonso Berruguete es uno de los
escultores más representativos hijo de Pedro Berruguete. Su formación fue en
Florencia y en Roma, donde tomó influencia de Miguel Ángel. Se especializa en
temas religiosos preferentemente en la talla de madera policromada. Sus
características son el realismo sin idealizar, la expresividad desgarrada y la anatomía
distorsionada, con formas serpentinatas, como en las transfiguraciones de la Catedral de Toledo.
Realizó en mármol el sepulcro del
Cardenal Tavera, 1554, en Toledo.
14.2. Juan de Juni
Es un escultor francés que
trabaja en España desde 1533. Especializado en temas religiosos y el tallas de
maderas policromadas. Se aproxima a Alonso Berruguete, son características
suyas la expresividad, la anatomía cuidada, los retorcimientos, de formas amplias
y perfectas. Una obra paradigmática de Juni es El entierro de Cristo, 1541-1545, que consta de siete figuras de
tamaño natural en madera policromada.
14.3. Gregorio Fernández
Gregorio Fernández se le
considera ya dentro del barroco y máximo representante de la escuela de
Valladolid. Influenciado por Alonso Berruguete y Juan de Juni. Su especialidad
son los pasos de Semana Santa y retablos. Utiliza un realismo crudo, expresivo,
con exaltaciones faciales impactantes, y el Plegados angulosos de los ropajes.
Tiene evocación de la escultura gótica borgoñana. Fue un especialista en la
temática de Cristos yacentes. Obra suya es el retablo de la catedral de Plasencia, 1624-1634 y La Piedad ,
1613.
14.4.
Juan Martínez Montañés.
Se le considera un escultor entre
el Renacimiento y el barroco. Su estilo tiene componentes básicos. Se
especializó en retablos. Sus características son: estudios anatómicos
perfectos, expresividad contenida, y excelente técnica. Obras de Martínez
Montañés son: Cristo de la Clemencia , 1603,
Catedral de Sevilla.
15. Pintura renacentista.
La influencia italiana en España
tiene reminiscencias de Rafael. Los pintores Sánchez Coello, y Luis de Morales
son artistas que trabajan dentro del Renacimiento hispánico y el manierismo.
15.1.
Alonso Sánchez Coello
Sánchez Coello, 1531 -1588, considerado
el mejor retratista del renacimiento español, es el pintor de cámara de Felipe
II. Se hizo célebre por sus retratos de la familia real. Su maestro fue Antonio
Moro, y tiene influencias de Ticiano. Los fondos son neutros y las figuras
sencillas. Pintó a Felipe II, 1557, y
El Príncipe Don Carlos, c. 1557.
15.2. Luis de Morales
Luis de Morales 1515/20? – 1586,
pintor extremeño dedicado a temas religiosos lo que le valió el apodo de “El
Divino”. Se le considera un pintor
manierista especializado en temas religiosos. Influido por Durero y Leonardo.
Su obra es minuciosa, con modelado duro y color esmaltado. Tiende a alargar las
figuras y el rostro y utiliza el sfumato
de Leonardo, sus temas envueltas en
misticismo le llevan a pintar una piel blanco azulada. Los gestos son
idealizados Se aleja de la sensualidad. Una obra suya célebre es La Virgen con el niño, de 1568.
15.3.
Doménikos Theotokópoulos, El Greco.
Uno de los pintores más
destacados a caballo entre el Renacimiento y el manierismo es El Greco,
1541-1614. Vivió en Toledo desde 1577. Su pintura tiende a la espiritualidad
con el alargamiento del cuerpo humano y
utiliza colores fantásticos. Emplea tonos fríos y ácidos. Sus cuerpos son irreales,
sobrenaturales, descarnados, inmateriales, sinuosos, deformados. Sus formas son
esculturales como las de Miguel Ángel. Rostros con honda emoción religiosa. Su
estilo es visionario con paisajes fantásticos. El Greco es muy sensible al misticismo
religioso. También realiza retratos realistas en representaciones profanas. Las
características pictóricas son pintura rápida, pincelada larga y espesa libre que exalta el
color, muy original plásticamente. Dentro
de su obra se puede destacar, El Expolio,1577-1579, o el Enterramiento del Conde de Orgaz,
1586-1588.
15.4.
Pedro Berruguete.
Pedro Berruguete es un pintor
renacentista formado en el estilo gótico-flamenco. Su influencia es de la
pintura de Piero della Franceca y de la escuela Veneciana. Trabaja en Italia en
1477 en el palacio de Federico de Montefeltro en Urbino. Es un artista de
calidad dentro del realismo castellano. Obra suya es La
Degollación de San
Juan Bautista, de Santa María del Campo en Burgos.
Conclusión.
El Renacimiento es el movimiento
artístico y cultural desarrollado en Italia a partir del siglo XV y concluyendo
hacia el primer cuarto del siglo XVI. La etapa inicial renacentista coincide
con el Quattrocento, y alcanza la madurez con el Cinquecento. La primera parte
tiene su centro en la ciudad de Florencia y la segunda es Roma. El Quattrocento
es el período de los artistas: Masaccio,
Donatello, Brunelleschi,… el Cinquecento corresponde a las personalidades de
Leonardo, Miguel Ángel y Rafael.
El arte
Renacentista es burgués, humanista y antropocéntrico. Los edificios, pinturas y
esculturas tienen un espíritu laico. Es humanista porque se vuelve a un canon
grecolatino. Es racional al buscar bases de perspectiva lineal y naturalismo
máximo. Se recuperan los modelos clásicos griegos y romanos. Los elementos
arquitectónicos estructurales propios del Renacimiento y tomados de la
arquitectura grecolatina son fundamentalmente: el arco de medio punto, las
columnas, la cúpula semiesférica, la bóveda de cañón, las cubierta planas con
casetones, todos ellos de inspiración romana.
Arquitecturas como el Panteón de Roma, los arcos de triunfo,
los órdenes clásicos y los templos se investigan y copian. Con respecto a la
composición hay una claridad y una orden subyacente con estructuras majestuosas
como los templos griegos. Las formas utilizadas son equilibradas como el
triángulo, el cuadrado la horizontalidad y la verticalidad. Un aspecto
importante son las reflexiones teóricas propias de artistas como Alberti,
Leonardo, Piero della Francesca,… Las soluciones encontradas en Italia se
difunden por Europa. El Renacimiento entra en España a través de artistas
hispánicos que estudian y se forman en Italia, como Machuga, Alonso Berruguete
o Siloé; y de artistas italianos que
vienen a trabajar a España como Sandro Fancelli. La evolución del Renacimiento
conducirá al denominado estilo manierista ya dentro del siglo XVI.
Resumen
El renacimiento italiano. Fundamentos estéticos. Su influencia en España.
1.El Renacimiento: orígenes y claves de un período
El Renacimiento es un movimiento
cultural y artístico de la
Italia del siglo XV y XVI.
1.1. Italia: la cuna del
renacimiento
Italia no era una unidad en el
siglo XV, estaba dividida en ciudades estado. Las ciudades – estado italianas
en el siglo XV, son Nápoles, Venecia, Florencia, Milán los Estados Pontificios.
1.2. Quattrocento siglo XV y Cinquecento siglo XVI.
El Quattrocento que es el siglo
XV, su centro cultural es Florencia, y sus mecenas son la familia Médici. El
Cinquecento, es el siglo XVI, su centro cultural es Roma.
1.3. La Seguridad. Factores políticos.
Durante este período se da una
sensación de seguridad social y personal.
1.4. Élite intelectual
En Italia surge una élite
intelectual renovadora a comienzo del cuatrocientos Esta minoría selecta muy
bien preparada intelectualmente surge de las ciudades medievales.
1.5. Renacimiento es volver a nacer.
Renacimiento significa volver a
nacer, o renacer, es una vuelta de la
mirada hacia la cultura clásica.
De la antigüedad se toma la
mitología, las creencias, la filosofía, la historia, elementos formales,
órdenes arquitectónicos, su simbología.
1.6. Nuevos temas
Una nuevas clientela adinerada
demanda otro tipo de temática en las
obras, pictóricas, escultóricas y arquitectónicas.
1.7. Humanismo racional
El humanismo es el movimiento
cultural que se inicia en el siglo
XIV. El
ser humano comienza a tener una conciencia diferente, un espíritu
individualista; del Dios cristiano sobre el que giraba toda la vida medieval o
teocentrismo; se pasa al ser humano como motor, el antropocentrismo.
1.8. La figura de Petrarca
Francesco Petrarca 1304 – 1374,
es un destacado humanista, escritor y poeta. Se interesó por la literatura
latina y griega. Su ideal es construir la cultura del mundo antiguo..
1.9. Nace la crítica del arte. Desarrollo
del pensamiento crítico
Las obras de arte se analizan
racionalmente, el humanista puede ser también artista
1.10. El artista. Valoración del individuo y del
genio
Desaparece el anonimato del
taller gremial y artistas sobresalientes alcanzan renombre.
1.11. Los mecenas.
La prosperidad en el comercio y
la industria hace que haya nuevas clases sociales ascendentes como la
burguesía. Los llamados mecenas protegen al artista y le encargan obras de
arquitectura, pintura o escultura.
1.12. El Nuevo lenguaje.
El Renacimiento crea un lenguaje
nuevo no es una imitación del anterior
arte clásico. Se intenta conocer sus principios para superarlos.
1.13. La razón.
Renacimiento es razón,
proporción, es medida. Las matemáticas son el pilar del arte que busca la
belleza de modo racional y se sustenta en la naturaleza.
1.14. Marsilio Ficino y el neoplatonismo.
Siguiendo la filosofía de Platón,
el filósofo más sobresaliente de la época renacentista es Marsilio Ficino.
1.15. La ciencia
El clima intelectual es favorable
al desarrollo del conocimiento.
2. El Quattrocento.
Quattrocento es el término
italiano con el que se conoce al siglo XV y su producción artística. A
comienzos del siglo XV, la ciudad principal es Florencia, equivalente a
Renacimiento.
2.1. Los artistas protagonistas del Quattrocento.
Los artistas principales
protagonistas del Quattrocento son:
Filippo Brunelleschi, arquitecto; Donatello escultor. Masaccio pintor. Leon Battista
Alberti, escritor y arquitecto realiza tratados de pintura, escultura y
arquitectura.
2.2. El artesano medieval y el artista renacentista.
Hay una diferencia entre el
artesano medieval y el artista renacentista: el artesano medieval ejecutaba el
tema y la imagen que les era dados por una élite. El artista renacentista no
está tutelado por una autoridad, trabaja con autonomía.
2.3. Cambio de sensibilidad
El cambio de sensibilidad en el
tratamiento de la figura humana se puede apreciar en pintura y pintores.
Este cambio de sensibilidad se
muestra en pinturas donde se utiliza el
claroscuro, o sfumato de Leonardo, se
estudia la anatomía para dar más verosimilitud a las figuras en una
composición.
2.4. La perspectiva
Una de las innovaciones que más
van a influir en la estética del Renacimiento fue la perspectiva científica. La
representación racional del espacio con la perspectiva, modifica el espacio y
el tiempo en pintura. La perspectiva cónica es empíricamente formulada por
Filippo Brunelleschi.
2.5. Las Proporciones
Los cánones normativos de belleza
antiguos se recuperan. Sobre todo las proporciones vuelven a considerarse.. Los
antiguos cánones de Policleto, Lisipo, Leócares,… se aplican a la escultura.
3. Pintura del Quattrocento
3.1. Interés en la observación y
representación de la naturaleza. San Francisco de Asís
Se inicia un estudio del natural,
influenciado por el amor franciscano hacia el mundo creado por Dios.
Los pintores que forman parte del
Quattrocento italiano son:
3.2. Fra Angélico, 1387 – 1455
3.3. Masaccio, 1401-1428.
3.4. Sandro Filippepi.
“Botticelli” (Florencia 1445- id. 1510)
3.5. Andrea del Castagno, c. 1421 - 1475
3.6. Andrea Mantegna, c. 1431-1506
3.7. Fra Filippo Lippi, 1406
- 1469
3.8. Domenico Veneziano,
c.1400 - 1461
3.9. Benozzo Gozzoli,
c.1421-1497.
3.10. Domenico Ghirlandaio,
1449 – 1494.
3.11. Piero della Francesca,
1416-1492.
3.12. Paolo Uccello,
1396/7-1475
3.13. Luca Signorelli,
1441/50-1523
3.14. Perugino, 1445/50-1513
3.15. Andrea Verrocchio, c. 1435-1488
4. Escultura
renacentista del Quattrocento.
La escultura sustituye el
hieratismo propio del gótico por la naturalidad idealizada. El hombre medida de
todas las cosas. Los grandes escultores son Ghiberti, Donatello, Jacopo della
Quercia, Luca della Robbia y Andrea Verrocchio.
4.1. Lorenzo Ghiberti
Ghiberti es un escultor,
arquitecto y teórico de la escuela florentina. Considerado uno de los
iniciadores del Renacimiento italiano. Ghiberti en Florencia introduce la
escultura realista, es uno de los grandes escultores de éste período.
4.2. Jacopo Della Quercia
4.3. Donatello
Escultor renacentista uno de los
creadores de dicho movimiento y perteneciente a la escuela de Florencia.
Donatello es el escultor de la
figura humana con equilibrio clásico y elegancia.
4.4. Luca della Robbia, 1399
– 1482
4.5.Verrocchio, 1435 – 1488
5. Arquitectura
renacentista del Quattrocento.
5.1. Tipologías Arquitectónicas. El palacio y la iglesia.
La arquitectura gótica se deja
para volver a los antiguos ordenes clásicos y los arcos de medio punto romanos.
La variedad en la tipología de
las edificaciones se amplía. Los arquitectos además de construir iglesias,
hacen, palacios, ayuntamientos, hospitales, plazas públicas, logias, villas,
castillos y universidades.
5.3. Filippo Brunelleschi
Filippo Brunelleschi y la
cúpula de Santa María dei Fiore
El primer arquitecto considerado
renacentista es Brunelleschi, la célebre cúpula de la catedral de Florencia y
la fachada del Palacio Pitti se convirtieron en modelos de referencia para los
arquitectos venideros.
Su innovación trascendental será
la ciencia de la perspectiva lineal.
5.4. Leon Battista Alberti, 1404 – 1472.
El
pionero es Brunelleschi y es continuado por Leon Battista Alberti, quien
estudia las proporciones de la antigüedad clásica. Alberti es uno de los mayores
arquitectos y escritores del Renacimiento, un erudito renacentista. Se le
considera uno de los creadores del Renacimiento en plenitud.
6. El Cinquecento, siglo XVI.
6.1. Características del Cinquecento.
Las características del
Cinquencento enlazan con el Quattrocento.
El arte se desarrolla a la sombra
de los papas en Roma. Alejandro, VI, Julio II, León X, Clemente VII y Pablo
III, son los patrocinadores de las artes que serán los mecenas de este período.
El poder de la Iglesia
quedaría reflejado con nuevas construcciones.
7. Pintura del Cinquecento
Los grandes pintores del
Cinquecento
Los tres grandes pintores del
siglo XVI fueron: Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarrotti (Miguel Ángel) y
Raffaello Sanzio (Rafael)
7.1. Leonardo da Vinci. Leonardo da Vinci, 1452 – 1519.
Leonardo es pintor, arquitecto,
técnico y tratadista renacentista.
7.2. Miguel Ángel. Michelangelo
Buonarroti.
Miguel Ángel Buonarroti, fue
arquitecto, escultor y pintor. Su arte se caracteriza por una forma escultural
y maciza de los cuerpos. Domina el
espacio y la belleza del cuerpo masculino
con escorzos difíciles.
7.3. Rafael. Rafaello Sanzio, 1483 – 1520.
Rafael es pintor, dibujante,
arquitecto, escultor, arqueólogo. Su pintura es de un clasicismo puro, de
medida, equilibrio, y armonía clásicas.
8. Arquitectura del Cinquecento
La arquitectura
renacentistas recupera los elementos
clásicos de la antigüedad: la
recuperación de la columna y los capiteles: dórico, jónico, corintio, toscano y
compuesto. Es el resurgir de los entablamentos, arquitrabes , frisos, cornisas
y frontones. Utilización de las bóvedas de cañón de herencia romana. Creación
de bóvedas de arista, y construcción de cúpulas con antecedentes en la bóveda
del panteón romano.
Roma
8.1. Donato Bramante, 1444 – 1514.
Bramante fue arquitecto y pintor
del Renacimiento, creador de la última etapa clasicista.
8.2. La familia Sangallo.
8.3. Jacopo Sansovino
8.4. Sanmicheli
8.5. Andrea Palladio, 1508
-1580.
8.6. Giovanni Antonio Amadeo
9. Escultura del
Cinquecento
Escultura
9.1. Miguel Ángel.
Miguel Ángel, introduce
deformaciones e inventa la forma serpentinata,
que es la unión del contrapposto añadiendo un movimiento de torsión en
espiral.
9.2. Andrea Sansovino
9.3. Baccio Bandinelli.
10. El renacimiento fuera de Italia.
Las ideas renacentistas se
extienden a Europa desde su centro que es Italia. Los reyes como Francisco I de
Francia, Carlos V y Felipe II en España, exportan el nuevo estilo y se realizan
construcciones con la nueva moda.
10.1. Alberto Durero. Albrecht Dürer
11. Renacimiento en la península ibérica.
España
Las soluciones artísticas del
arte renacentista italiano llegan a España mezclándose con la creatividad
hispana.
11.1. Arte de
los Reyes Católicos o gótico isabelino.
Durante el reinado de los Reyes
Católico se produce una transición entre el gótico y el inicio del
Renacimiento. Se ha especulado si el arte de este período corresponde gótico,
al renacimiento o es una fase del plateresco. Se ha llegado a denominar el
gótico isabelino o estilo Reyes Católicos.
11.2. Gótico – plateresco.
El plateresco es el nombre como
se conoce al estilo español desarrollado en el primer tercio del siglo XVI, y
caracterizado por la introducción de modelos renacentistas.
12. Arquitectos renacentistas hispánicos.
12.1.
Pedro Machuca
12.2.
Diego de Siloé
12.3.
Bartolomé Ordoñez.
12.4. Andrés de Vandelvira.
12.5. Juan de Hontañón y Rodrigo Gil de Hontañón.
12.6. Alonso de Covarrubias.
12.7. Juan de Herrera el estilo Herreriano.
El clasicismo o purismo.
Fase más clasicista del renacimiento español. Segunda mitad del siglo
XVI. Posee un gran sentido de la unidad y la armonía. La obra cumbre es el
Monasterio de El Escorial de Juan Bautista de Toledo y Juan Herrera.
13. Renacimiento hispánico. Ciudades renacentistas.
La ciudad principal del
Renacimiento hispánico es Salamanca, con sus edificios platerescos como la
plaza de la
Universidad. Las clásicas ciudades renacentistas de Andalucía
son Úbeda, Baeza, y Jaén donde Andrés de Vandelvira difunde el nuevo estilo.
14. Escultura renacentista hispánica.
La influencia italiana también se
aprecia en la escultura, la característica esencial son la talla de madera
policromada y los temas religiosos.
Artistas destacados son: Alonso Berruguete, Juan de Juni y Gregorio Fernández y
Juan Martínez Montañés.
14.1.
Alonso Berruguete
14.2.
Juan de Juni
14.3.
Gregorio Fernández
14.4. Juan Martínez Montañés.
15. Pintura renacentista.
La influencia italiana en España
tiene reminiscencias de Rafael, los pintores Sánchez Coello, o Luis de Morales.
15.1. Alonso Sánchez Coello
15.2.
Luis de Morales
15.3. Doménikos
Theotokópoulos, El Greco.
Uno de los pintores más
destacados a caballo entre el Renacimiento y el manierismo.
15.4. Pedro Berruguete.
16. Estudio de una obra representativa.
Sandro Botticelli, el Nacimiento
de Venus.
Una de las obras representativas
del Renacimiento es la
pintura de Sandro Botticelli, el Nacimiento de Venus, de Botticelli.
Bibliografía.
Eco.
Umberto. 2008. Historia de la belleza. Lumen.
Gombrich, E.H. 2000. El legado de Apeles. Estudios sobre el arte del Renacimiento, 3. Debate. Madrid
Gombrich, E.H. 2009. La
Historia del arte.
Phaidon
HISTORIA DEL ARTE. 1990. Volumen
VI. Renacimiento (II) y Manierismo. Dirigida por José Milicua. Editorial
Planeta.
MATEO GÓMEZ, ISABEL. 1996. Historia universal de la pintura. Tomo 3.
Dirigida por Juan José Junquera. Renacimiento. Madrid. Editorial Espasa Calpe.
Murray
Peter & Linda. 1978. Diccionario
de arte y artistas. Instituto Parramón Ediciones. Barcelona.
PANOFSKY, ERWIN. 2006.
Renacimiento y renacimientos en el arte occidental. Alianza Editorial. Madrid.
Bibliografía
comentada.
Gombrich, E.H. 2000. El legado de Apeles. Estudios sobre el arte del Renacimiento, 3. Debate. Madrid
Gombrich presenta en este libro
nueve ensayos sobre el Renacimiento, que comprenden el método de análisis de
Leonardo da Vinci, el Jardín de las Delicias del Bosco, los estudios de Filippo
Brunelleschi, Durero y Brueguel. Texto para profundizar en el Renacimiento.
HISTORIA DEL ARTE. 1990. Volumen
VI. Renacimiento (II) y Manierismo. Dirigida por José Milicua. Editorial
Planeta.
Una de las enciclopedias de arte
accesible para tener las nociones básicas de este período histórico, con fotografías
e ilustraciones de calidad sobre las obras más representativas.
PANOFSKY, ERWIN. 2006.
Renacimiento y renacimientos en el arte occidental. Alianza Editorial. Madrid.
Esta obra recoge cuatro
conferencias pronunciadas por el profesor Panofsky. Presentan unas reflexiones
sobre el Renacimiento acertadas y profundas, imprescindible para tener una
perspectiva más sólida de este período, y sus conexiones entre el mundo
antiguo, la Edad Media
No hay comentarios:
Publicar un comentario